SOBRE EL ARTE COLOMBIANO

Una experiencia compartida
Dos colectivos en Vía libre
Por Edgar Estupiñán, Artista Plástico, Colectivo Cuadricularte

Como un producto social, el arte tiene su inicio por medio de la creación de grupos. Los productores, en este caso artistas y artesanos se hacen visibles por medio de sus talleres de producción o por estar vinculados a las escuelas o academias.

Durante la historia del arte diversos grupos han sobresalido en la creación de importantes proyectos. Muchos de los más destacados artistas han necesitado de la ayuda de otros para sacar adelante cada una de sus propuestas. Desde La antigüedad hasta nuestros días este trabajo de equipo ha recreado, reinventado y reafirmado la realidad social.

En Colombia hay bastantes ejemplos, para nombrar algunos retomo tres de gran importancia. El primero, el de los pintores y dibujantes que participaron en la Expedición Botánica, que se inicia en el año 1781 desarrollándose hasta 1817, y estuvieron a cargo del científico y botánico gaditano José Celestino Mutis. Fue el primer gran proyecto en La Nueva Granada, en el cual un grupo de artistas y artesanos se reúnen para realizar una idea en común, con características técnicas, conceptuales y estéticas definidas.

La segunda, la Comisión Corográfica que tiene sus inicios hacia 1850, dirigida por el geógrafo e ingeniero militar Agustín Codazzi. Tal proyecto nace con el fin de levantar la Carta General de La República y elaborar Los Mapas Corográficos de las provincias que conformaban al país, sin embargo esta no era la manera más clara para reconocer al poblador, sus costumbres y sus tradiciones. El trabajo realizado por los dibujantes y pintores de la Comisión fue el de plasmar datos de las manifestaciones cotidianas, del comportamiento, del entorno, de los productos culturales, de los recursos naturales y de los accidentes geográficos. El equipo de trabajo no solo fue conformado por artistas, también por geógrafos, científicos e ingenieros.

La tercera e igualmente importante fue La Escuela de Grabado, fundada por el militar, escritor, político, periodista y pintor Alberto Urdaneta, se crea con el fin de preparar artistas gráficos que por medio de su trabajo dieran vida a una revista ilustrada. Este proyecto se convirtió en la publicación periodística más importante de la segunda mitad del siglo XIX en nuestro país y su nombre es El Papel Periódico Ilustrado. Tal fue el éxito en la organización, preparación y la producción de ésta Escuela de Grabado y de la revista, que fue asignada la misión al mismo Urdaneta, por parte del presidente Rafael Núñez de crear en 1884 la Escuela de Bellas Artes de Bogotá y de dirigirla desde 1886, en donde se impartiría la educación artística y humanística de nivel profesional a los futuros representantes del arte nacional.

Estas tres experiencias en el cual participan colectivos son de gran trascendencia, las dos primeras desarrolladas en el área científica y la tercera en la periodística tuvieron incidencias en el arte, a tal nivel que se convierten en las actividades que dan origen a un verdadero arte nacional porque las obras producidas se caracterizan por documentar y registrar información perteneciente a nuestra identidad, la manera en la cual están plasmadas, su composición, las técnicas, la estética y el concepto se inicia y desarrolla desde el mismo proceso del trabajo de campo, buscando mostrar la variedad en la cual desde lo natural a lo social nuestro patrimonio cultural se ve reflejado.

Durante el siglo XX en Colombia se siguen creando grupos y colectivos que desarrollan diversas ideas y que se introducen en el amplio universo del arte colombiano: como los artistas que participan en la primera exposición anual iniciada en 1886, el grupo que participa en la Exposición del Centenario en 1910, los pintores y dibujantes de la primera y segunda generación del Paisaje de La Sabana, Los pintores y escultores Bachués, Los del taller 4 Rojo, Los que conforman las diversas Bienales, los Salones Regionales y Nacionales, entre otros. Recordemos que a nivel internacional y en gran parte de América Latina, nacen y se desarrollan las vanguardias artísticas.

En la actualidad, los colectivos y grupos de artistas son cada vez más numerosos y necesarios, el arte actual está muy comprometido en la relación con el otro, lo que genera desde el trabajo en equipo, un enriquecimiento en el intercambio de opiniones y de puntos de vista desde las discusiones; en la intervención, cuestionando y analizando diversos temas, entre ellos el papel del artistas y el del arte en nuestra realidad.

Hoy, en la Universidad Industrial de Santander (Programa de Bellas Artes del INSED) se encuentran dos colectivos, uno de Bogotá, el otro de Santander que se unen en Vía Libre, para conformar uno solo.

Foto: Proceso Académico 4 –Objeto Escultórico. Marco Antonio Torres. Dimensiones Variables. 2008. Exposición En Vía Libre. UIS-Bucarica, Carrera 19 No. 35-02. Entrada gratuita

EXPOSICIÓN EN VÍA LIBRE

IMAGEN PROMOCIONAL

Afiche del XIV Festival Nacional de Duetos Hermanos Martínez, Floridablanca.
Por. Oficina de Prensa, Casa de la Cultura Piedra del Sol de Floridablanca

La Administración Municipal y la Casa de la Cultura Piedra del Sol invitan a los creadores de Floridablanca para que participen en el concurso del afiche que será la imagen promocional de Festival Nacional de Duetos Hermanos Martínez, del año 2009. Esta convocatoria se abrió el 19 de marzo y estará abierto hasta el 13 de abril del presente año.

La inscripción al concurso no tiene ningún costo y pueden participar personas naturales nacidas en el Municipio o residentes en el mismo, con mínimo dos años, quienes deberán acreditarlo.

Las propuestas deben tener una dimensión de 90x60 cms. El tema es la música de la región colombiana, con un énfasis en la tradición musical, los instrumentos como el tiple y la guitarra y la cultura andina, en especial la del Municipio de Floridablanca.

La técnica de la propuesta es libre e inédita. Cada participante deberá marcarla con un su titulo de la obra y el seudónimo del artista, así como una sinopsis de la misma.

Los premios se entregarán a los artistas que ocupen los tres primeros lugares en el género de artes plásticas y obtendrán un reconocimiento de $2´000.000 para el Primer lugar; así mismo, el segundo y tercer lugar obtendrán $500.000.

El fallo emitido por el jurado calificador será el día 28 de abril de 2009, en un acto especial que se llevará a cabo a las 6:00 p.m. en la Sala de Exposiciones El Caracolí, donde se realizará la entrega de los estímulos a los ganadores.

Cualquier información sobre las bases del concurso y demás requisitos ser obtenida en la Dirección de la Entidad. Teléfonos: 6482157 - 6497864.

CONCURSO FLORIDABLANCA

Selección de la Imagen Promocional del Afiche Del IV Festival Nacional de Teatro, Gesto Vivo
Por. Oficina de Prensa, Casa de la Cultura Piedra del Sol de Floridablanca

El Festival Nacional de Teatro, Gesto Vivo, cumple su IV versión, éste es un programa de fomento y divulgación de las artes escénicas, que cuenta con el decidido apoyo de la Administración Municipal de Floridablanca y que coordina de la Casa de la Cultura Piedra del Sol, lo que se constituye en un reconocimiento para quienes trabajan por el teatro en el Municipio.

El Concurso se abrió el pasado 19 de marzo y la recepción de propuestas estará abierta hasta el próximo 13 de abril, fecha en la se cerrará y la recepción de los proyectos; para tal efecto, se debe participar con una sola obra por artista con una dimensiones son de 90x60 cms.

El tema deberá girar alrededor del teatro, los títeres ó los mimos; igualmente, la técnica es libre, pero se debe presentar una sinopsis escrita para su sustentación. Así mismo, se debe entregar debidamente marcada con su respectivo nombre y seudónimo y, en un sobre sellado, los datos del participante.

El premio se entregará al artista que ocupe el primer lugar y será un estímulo de ochocientos mil pesos $800.000.

Como requisito para participar es indispensable ser personas naturales nacidas en el Municipio o residentes, con mínimo dos años de anterioridad, los que deberán acreditar su residencia.

La directora de la Casa de la Cultura Piedra del Sol, Dra. Rosmary Mejia Serrano, y la Administración Municipal que orienta el Alcalde, Dr. Eulises Balcazar Navarro, invitan a los creadores de Floridablanca para que participen y se hagan acreedores de este reconocimiento a su importante labor plástica y su aporte al partimonio inmaterial de Floridablanca.

Cualquier información adicional sobre el concurso y sus bases se encuentra establecida para este año en la Resolución numero 014 de 2009, información que será entregada a las personas interesadas en la Dirección de la entidad. Teléfonos: 6482157 - 6497864.

EN SAN CRISTOBAL: INEVITABLE DESALOJO

Dirección de Cultura reubica biblioteca de Queniquea
Por. Rosalinda Hernández C., Prensa Dirección de Cultura

Como de “intolerancia política” calificó la Directora de Cultura del Estado del Táchira, Licenciada Ilia Sierra Moreno, frente al urgente traslado que debe hacerse de la biblioteca pública del Municipio Sucre.

Por otro lado, la representante de la Dirección de Cultura, indicó que el pasado 30 de marzo en gira por los municipios del estado, acompañada por el coordinador de la Red de Bibliotecas Públicas, Ángel Olmedo Mora, visitó la localidad de Queniquea con el propósito de dialogar y llegar a un acuerdo con el Alcalde de esta comunidad, con la intención de lograr la permanencia de la biblioteca en las instalaciones que hasta hoy ocupa y que son propiedad del ente territorial.

Por su parte, la Lic. Sierra, manifestó que en vista de la intransigencia por parte del Alcalde y la negativa a ceder los espacio para la biblioteca en beneficio de su comunidad, se tomó la decisión de trasladar la sede a la Casa de la Cultura, como una alternativa viable que busca que la colectividad continué disfrutando de este importante servicio educativo y formador por excelencia.

Igualmente, señaló, que lamenta esta situación que va en detrimento de toda una población y en contra del derecho a la información como vehiculo de formación integral, establecida en la constitución venezolana, enfatizó la Lic. Sierra.

Por último, llamó a la reflexión, ante esta inexplicable realidad que desestima el importante papel que tiene la cultura en el desarrollo y progreso de la sociedad.

Foto: La Lic. Ilia Sierra, Dirección de Cultura del Estado del Táchira, y el Coordinador de la Red de Bibliotecas, Ángel Olmedo Mora, aseguran que continuaran trabajando por el beneficio de la población, para su formación y preparación cultural.

ENTREVISTA: NYDIA GUTIÉRREZ, CURADORA VENEZOLANA

Jurado Tutora, XIII Salón Regional de Artistas, Zona Oriente
Por. Victor Hugo

Lectura regional

Primero tengo que reconocer que hace poco me estoy integrando y realmente lo he hecho a partir del XIII Salón Regional, a raíz de la invitación a participar dentro la tutoría a la propuesta de investigación curatorial.

Lo que sí siento es una efervescencia y lo digo porque he venido a varias reuniones a Cúcuta, con varios grupos de creadores y gestores, incluso con funcionarios públicos, de gente como tú, como Walter y me parece que este es un buen momento.

De otro lado, creo que desde el punto de vista de la curaduría hay un gran vacío, hay más practicantes, lo cual es muy importante y así debe ser, pero es que el arte, como ya se ha definido, es un campo social, con todas las reglas específicas de esta área del conocimiento. De tal forma, que existen distintos procesos, actores y, en la actualidad, hay actores muy deprimidos, debido a que falta teoría y de un verdadero ejercicio curatorial.

Sobre curaduría

Nos lo hemos pasado discutiendo eso, porque la museología general, que es la ciencia donde se inscribe la curaduría, como una de las disciplinas especificas, es también un campo de conocimiento muy nuevo, lo que propicia un continuo debate. Pero lo que más o menos se puede decantar hoy, según mi punto de vista, es que una curaduría es un esfuerzo por activar sentidos. Es una especie de testigo que activa sentidos dentro del campo del arte.

La investigación curatorial

Se inicia por la definición de tu objeto de estudio: ¿Qué es lo que quieres curar? Sin embargo, hay que precisar que hay muchos tipos de curaduría, pero digamos que comenzamos por ahí, porque no existe una sola metodología.

Sin embargo, la curaduría de arte, porque se pueden hacer curadurías de miles de cosas, lo que va tratar es con objetos o ideas artísticas. Claro, es ahí donde caemos en la pregunta: ¿Qué es arte? Hoy este es un concepto que ya no se centra en el objeto, sino que tiene varias ramificaciones y variantes, lo que hace que no pueda decirte, como lo hubiera dicho con tanta precisión hace 15 años, en que decía con mucha claridad que se trata de hacer curaduría de objetos de arte, porque el propósito desde la museología es el estudio de los restos materiales, etc., era muy fácil.

Ahora hay que cuidarse un poco más en el sentido que hay que entender que lo que vas a tratar es también materia difusa, pero el proceso comienza con identificar, porque a veces el tema está ahí y, luego, simplemente vas sistemáticamente a analizarlo para mostrarlo, porque en definitiva eres un intermediario para mostrarlo. Otra forma sería proponerse el objeto de investigación y luego buscas en el panorama del arte, en el universo que tienes enfrente, como esas ideas pueden encarnar en esos trabajos artísticos.

Tendencias curatoriales

Además, hay que aclarar que el mundo curatorial pareciera moverse hoy entre dos tendencias, que son en cierta medida antagónicas.

Una tendencia trata de consolidar figuras estelares de curadores, llamémoslas de curadores estrellas y, la otra, se propone la disolución de la figura del curador, en un trabajo de curadurías colectivas y de mirada colectiva.

Creo que la tensión entre la dos es muy beneficiosa, no creo que se trate o que se le haga ningún bien al campo curatorial definiéndose por una u otra. Desde este punto de vista es indudable que las curadurías colectivas parecen adecuarse mejor al proyecto que se propone al Ministerio de Cultura, al nuevo modelo de Salón; además, hasta donde, más o menos conozco, es un esfuerzo que se orienta en el mismo sentido de otros que se están dando en distintos países de América Latina. Es decir, hay una comprensión de que existen miradas curatoriales que son más propias y propicias para nuestra realidad y en esa medida el Salón propone y favorece curadurías colectivas.

De tal forma, que hoy tenemos experiencias interesantes, como ocurrió en la región de la costa atlántica o con otras curaduría que se presentaron al 41 Salón Nacional de Artistas, es por eso que se puede deducir que era exitoso, cierto y que estaban en lo correcto, cuando pensaron eso que te acabo de decir, que ese tipo de curadurías colectivas era la mejor manera de acercarse a la realidad.

Mirada curatorial

Nadie hoy se propone el objetivo de mostrar el estado del arte en una región, porque ese ya no es el objeto del Salón, eso correspondía a otros contextos. En cambio develar lo que hay, que no es mostrar el estado del arte, eso sí es lo que se propone. En consecuencia, se trata de develar ciertas cosas desde una mirada curatorial, porque además falta señalar algo fundamental y es que la mirada del curador es una mirada subjetiva, es una propuesta desde un sujeto que se tiene que reconocer modestamente como tal, que no produce sino lecturas subjetivas. Entonces, podría decirse que no se pretende mostrar el estado del arte. No, eso ya ni siquiera debería ser ya una crítica, se debe aceptar que es una curaduría y, por tanto, de visión limitada.

De otro lado, la curaduría ha sido la manera que en nuestra cultura más contemporánea más actual, ha encontrado para acercarse a las verdades del arte, porque precisamente la creencia en esa otra totalidad ya no funcionó.

Propuesta curatorial para el XIII Salón Regional de Artistas, Zona Oriente

Lo que pretende develar la propuesta ganadora de la zona oriente es la realidad de la frontera a partir de cuatro ejes temáticos, que considero, incluso muy convencionales: cuerpo, espíritu, política y paisaje, pero es que son sumamente vigentes, hoy y siempre, sólo que en la actualidad se han re-significado, encontrado nuevas connotaciones.

Así mismo, estos cuatro ejes me parecen pertinentes frente a esta realidad de la frontera, tan compleja, dinámica y patética.

Sobre los aristas

La impresión que te puedo dar, es un poco como la primera impresión, porque realmente sólo llevo no más de tres o cuatro meses, por eso te digo que hay como esta efervescencia porque a pesar del corto tiempo, la respuesta ha sido muy intensa, sentida y rápida por parte de los artistas.

Igualmente, creo que lo que pasa aquí sucede en el ámbito internacional y, no es exclusivo de nosotros, por el hecho de estar en nuestra región fronteriza, tal vez, lo mismo ocurre en Bogotá o New York.

Por ejemplo, a una hora de Boston, en New Hampshire, he encontrado artistas con las mismas características que se pueden encontrar aquí. De manera, es como un mal universal y sumamente peligroso para los artistas, porque hoy se está presentando una especie de desdén por la información y por los procesos de investigación rigurosos.

Por eso, hay que comenzar por entender que ser artista es una profesión, es una combinación de cosas y es una inclinación natural; es decir, el que es artista es artista y no podría ser otra cosa, habría que buscar una explicación más científica, pero yo me atrevo a asegurar eso; también, podría asegurar que es una profesión, que hay una información que buscar, que hay saber cuál es la historia que ha recorrido y en qué estado se está y descubrir que se está en un estado complejo y confuso, que con sólo el talento y la sensibilidad no basta, no se trata ni siquiera del reconocimiento, porque eso es natural al arte. Sin embargo, pienso que el primer crítico e insatisfecho de sí mismo debería ser el artista y en muchos casos lo es.

De tal manera, que siento es que hay una poco de esa desconexión de los aspectos teóricos, por lo que decía anteriormente, en el sentido que hay ausencia de curadores y de historiadores y en el panorama regional los artistas mismos no suplen eso, no tienen porque, pero podrían hacerlo.

Esta realidad genera una especie de frustración, tal vez tenga que ver con el temperamento, porque son muy agresivos y contestan violentamente a cualquier cosa. De todas maneras, el campo está dado, para iniciar un proceso de reflexión y estudio, porque lo artistas están abiertos al trabajo.

La estrategias frente a este panorama sería la formación, que no es la educación convencional, no puede ser dadas las circunstancias, pero hay alternativas. En esa misma vía, la alternativa es propuesta por el Ministerio de Cultura, la de los laboratorios, de las cátedras itinerantes; por ejemplo: los laboratorios de investigación-creación, son muy interesantes, porque consisten en que un creador, alguien con experiencia viene a compartir con el otro y desde la práctica se teoriza.

Recomendamos el siguiente artículo:
GUTIERREZ MOROS, NYDIA. [On line] “Arte a la luz de lo siniestro. La estética y la espacialidad del arte contemporáneo”. http://www.plataformadearte.net/Coloquio/NydiaGutierrez.htm

En El Difícil, Magdalena

Memoria Chimila
Por. Victor Hugo

Don Manuel Quiroz Paternina, llegó de Sucre en los años 70´s a El Difícil y se dejó cautivar por su historia; este sucreño de poca escuela pero de gran inteligencia e intuición, le apasiona la simplicidad del diseño y la belleza de las cerámicas, collares y demás objetos de la cultura Chimila; por eso, se ha convertido en guardián y custodio, de una importante colección de piezas arqueológicas en el Municipio de Ariguani.

Hoy a sus 62 años, sigue convencido que su trabajo ha dejado su fruto, porque permanentemente los estudiantes de Ariguani lo visitan para conocer las evidencias de su pasado. Así mismo, por su casa desfilan en constante peregrinación estudiantes universitarios y turistas.

Ariguani

Es un Municipio ubicado en el centro occidente del Departamento de Magdalena, que dista a sólo 216 kms. de Santa Marta. Cuenta con una población de 38.966 habitantes, que viven en los 1.109 km2 de extensión, la mayor parte de ellas dedicadas a la ganadería extensiva y la agricultura, en las que se siente un sol abrazador que alcanza los 28 ºC de temperatura.

Este municipio fue creado por la ordenanza del 30 de noviembre de 1.966, luego de que fuera poblado por oleadas migratorias del interior del país y de la costa atlántica, de familias enteras que buscaban refugiarse de la violencia de los años 50´s.

Sin embargo, sus antiguos pobladores, la nación de Los Chimilas o Ette Ennaka, dejó su rastros diseminados por toda la cabecera municipal del Ariguani, El Difícil, como se llama su casco urbano, de los que hoy se encuentran innumerables objetos, que se constituyen en el patrimonio cultural de los ariguanense.

Museo Arqueológico

De tal manera, que en un esfuerzo por preservar el patrimonio, su Alcalde, Rivelino Mendoza Ballestas, con recursos del Ministerio de Cultura, inaugurará en los próximos meses el Museo Arqueológico de Ariguani.

De tal forma, que hoy esta iniciativa de la Administración Municipal es una realidad, que busca exhibir las piezas de la nación Chimila, para preservar la memoria histórica de quienes fueron los primeros pobladores de El Difícil.

LA SELECCIÓN NACIONAL DEL 41 SNA

Exposición en Medellín
Por. Victor Hugo

El curador antioqueño Alberto Sierra realizó una selección de artistas que participaron 41 Salón Nacional. La muestra se exhibe desde el pasado 10 de marzo en la Sala de Artes Suramericana, ubicada en la carrera 64B No. 49A-30 de Medellín.

EN CÚCUTA: LA OTRA CÁTEDRA

Círculo de lectura: Regional oriente
Por. José Ignacio Caceres Serna, Coordinador Escuelas de Formación, Secretaría de Cultura de Norte de Santander

“Una sonrisa embellece a algunos, en cambio a otros, afea”
Proverbio popular

El conocimiento, implica ideas, nociones, distinciones, discernimiento, establecer diferencias entre diversos procesos, caracterizando, estableciendo referentes, proponiendo estimaciones para hacer notable el tema de investigación. La anterior reflexión en referencia a la filosofía como “ciencia de los Principios de las causas” Pitágoras, a quien se le atribuye acuñar el término representó este lúcido hombre (y todos los filósofos) precisamente todo un cúmulo de conocimiento, fundamentos o cimientos de la interpretación de la creación, formulando entonces, las premisas de -donde venimos y hacia donde vamos- lo cual llevó a reclamar los derechos fundamentales a las monarquías, respecto de la explicación divina en el esclarecimiento de la naturaleza de las cosas, pues para los Griegos, estas prácticas sociales (religión) fueron una afirmación de las raíces culturales para “no aprisionar a la razón”.

Para la epistemología, como “estudio de métodos del conocimiento” quienes han indagado y debatido, junto a las escuelas del pensamiento filosófico, en el proceso del tratar de evidenciar premisas, en los conceptos de: razón y realidad, han contribuido a que la metafísica y la física cuántica, amplíen los espectros de las percepciones humanas, puesto que científicamente se viene demostrando que “el hecho que no se vea, no quiere decir que no exista”.

Es así como, con el preámbulo teórico conceptual, es que han de abordarse los discursos académicos, en torno a las Artes Visuales y áreas en general, pues las nuevas tendencias de la creación vienen arrojando profundos y sesudos debates, en el seno del Ministerio de Cultura respecto de la forma en que se proyecten las capacitaciones, formación y profesionalización de los creadores, dadas las nuevas prácticas Artísticas y por ende, estas, requieren de un replanteamiento pedagógico, y por consiguiente la de la misma Ley 397 del 7 de agosto de 1997.

En acierto con lo anterior, las prácticas curatoriales demostraron la necesidad, del crear una figura tutoríal para cada región, en la nuestra recae en la persona de la arquitecto, museóloga y critico Nidia Gutiérrez, quien con su basta experiencia personal y profesional, alienta a la comunidad Artística Regional, con su visión universal, pues además de pertenecer a la zona de frontera convive y comprende sus particularidades como sus complejidades.

Es por todo esto que, el Círculo de Lectura sobre “Estética Relacional” que se viene adelantando con creadores de la región, empieza a marcar una diferencia, respecto de los anteriores equipos curatoriales, proponiéndose como un método balsámico para socializar el debate filosófico entorno a lo Visual, pues se entiende la importancia del dialogo en retroalimentación, de la investigación y el registro literario de las experiencias, donde sin pretensiones ni imposiciones se pueden obrar positivas modificaciones de las propuestas y la importancia de las lecturas filosóficas de las Artes Visuales.

Nuestra ensoñada región Gran Santander-Estado Táchira en franca armonía hará trascender más aún, al colectivo familiar – humano que desde siempre le constituye.

Este gran comité – empresa curatorial además de configurarse como la región curatorial más pequeña de la Nación, que integra a una vecina, requiere de preclaras personas que la sientan, entiendan y la catapulten hacia la competitividad, ante los vertiginosos e intempestivos cambios que se suscitan en el orbe, en absolutamente todos los órdenes.

Exposición Colectiva Binacional

Imagen palabra de Piel
Por Victor Hugo.

En la Sala de Exposiciones Manuel Osorio Velasco, de la Dirección Cultura del Estado del Táchira, en San Cristóbal, se exhibe actualmente una muestra binacional en la que participan artistas plásticos de Cúcuta y San Cristóbal.

Esta exposición se realizó por primera vez durante el mes de agosto en Cúcuta, en la sala de exposiciones de La Torre del Reloj, en el marco de la Feria del Libro de la capital nortesantandereana y contó con la participación de ocho (8) artistas colombianos y la misma cantidad de creadores venezolanos.

Esta iniciativa fue organizada por los maestros Freddy Pereira, José Ignacio Cáceres y Cesar Herrera. Igualmente, patrocinaron el evento la Gobernación del Estado del Táchira, la Dirección de Cultura del Estado del Táchira, el Instituto de la Artes, la Imagen y el Espacio, la Secretaria de Cultura de la Gobernación de Norte de Santander y la Fundación Cultural Vértice.

Obras:

1. Annie Vásquez, El mismo código, diferente objeto. Mixta. 100 x100 cms. 2008.

2. Mauricio León. Las Espinas y El Morrachón. Mixta sobre tela. 100x100 cms. 2008.

3. Freddy Pererira. Amanecer en el matadero. Mixta sobre tela. 150x100 cms. 2008.

4. Julian Martínez. Sin título. Hierro y patina. 90x95 cms. 2008.

5. Diego Sarmiento. Sin titulo. Mixta sobre papel. 70x80 cms. 2008.

Exposición: Imagen palabra de Piel. Dirección de Cultura, San Cristóbal, Venezuela. Entrada Libre.

FREDDY PEREIRA, UNA VIDA PARA EL ARTE

Nuestro homenaje
Por Victor Hugo

El maestro Freddy Pereira es toda una institución en San Cristóbal, Venezuela, reconocido por unos y olvidado por otros. Sin embargo, el artista plástico y actor venezolano, es respetado por todos.

Mientras él continúa silenciosamente su gestión, a pesar de las múltiples contratiempos que se le cruzan en su quehacer, advierte que su único compromiso es con el arte; no obstante, la oposición lo ve como chavista, al tiempo que algunos chavista lo identifican con la oposición. En este complicado panorama su verdadera osadía es asumir un diálogo crítico frente a su realidad.

Sin importar las circunstancias, con la agudeza del tiempo vivido y la generosidad de quién tiene como única perspectiva proponer a partir del lenguaje del arte, un espacio para la reflexión y la vida, Freddy Pereira, ha decidido vivir en San Cristóbal después de haber permanecido por algún tiempo en el exterior y, ahora, después de sus 40 años como artistas en los que: -Nunca he dado el brazo a torcer, siempre he estado allí. De una u otra manera, siempre he permanecido fiel al hecho integral del arte y su concepto. Hoy, mucha gente que se dedica al arte, cuando tiene dificultades terminan por hacer a otra cosa. Por eso, para mí es significativo haber permanecido fiel a esa meta que es generar procesos de creación en la pintura y el teatro, señala el maestro.

De hecho, sin el apresuramiento de la respuesta, pero con la precisión que tiene el cartógrafo de su propia vida, manifiesta: -Para mí en el arte todo ha sido satisfacción. El mismo hecho de haberle sido fiel, aunque me ha tocado enfrentar algunos momentos adversos propios del oficio, pero el resto ha sido pleno. Yo he ganado premios y reconocimientos, pero eso hace parte del trajinar de la vida, aunque no fuera así sino no hubiese sido una vida para el arte.

El maestro Freddy Pereira, acaba de ser seleccionado, en la modalidad de proyectos de Coproducción por Iberescena. Este el programa, que nació como resultado de la Carta Cultural Iberoamericana y que fue aprobada por los Jefes de Estado y de Gobierno en la XVI Cumbre Iberoamericana celebrada en Montevideo en 2006, está integrado por Argentina, Chile, Colombia, España, México, Perú, Venezuela y la Secretaría General Iberoamericana; el propósito del mismo es la construcción del espacio escénico Iberoamericano.

Sobre este premios se refiere con la humildad que lo caracteriza y sin el apremio de las palabras: -Mira, plantee una coproducción con el Grupo de Teatro Sino de Cúcuta, cuyo director es Jorge Cuellar. Se trata del montaje de la obra "El Animador", del dramaturgo venezolano Rodolfo Santana.

Además, el maestro Freddy Pereira, ha sido un galerista consumado desde su Sala de Exposiciones Vértice. De ahí, que con el tiempo se constituyó en un coleccionista de arte latinoamericano con obras de Wilfredo Lan, pasando por algunos de los más importantes pintores de nuestro hemisferio; además, posee obra gráfica de Picasso y termina con un original de Modigliani.

Fotografía: ©Hugsh, 2009.  

Coincidencias: Arboleda-Spinoza

En el reflejo del arte
Por. Victor Hugo

En la primera imagen, tomada del libro “Diccionario de artistas en Colombia”, observamos una obra del escultor, pintor y grabador Alberto Arboleda, quien nació en Popayán en 1925. Este artista colombiano inició su carrera artística como ceramista; posteriormente, participó en innumerable exposiciones en el país; además, en Roma, Copenhague, Bruselas y otras ciudades de europeas(1).

Luego, encontramos la obra Clavijero, del maestro santandereano Guillermo Spinoza, ubicada en el Parque de los niños de Bucaramanga, a un costado del Instituto Municipal de Cultura y Turismo, IMCT.

Estas dos obras parecen mantener un diálogo sostenido entre la forma y la distancia histórica. Aunque, no se sueñan una al lado de la otra, simplemente son el testimonio vivo del desarrollo del arte colombiano.

Ahora... Ustedes tienen la palabra

(1)ORTEGA RICAURTE, Carmen. [On line]“Diccionario de artistas en Colombia”. Bogotá, Eds. Tercer Mundo, 1965. http://www.lablaa.org/blaavirtual/todaslasartes/diccioart/diccioart3c.htm

Exposición Aforismos

Movimiento artístico de San Juan de Colón
Por. Victor Hugo

El pasado viernes 20 de febrero, se inauguró en la Sala Valentín Hernández Useche, de la Casa Steinvorth de la Fundación Banfoandes, en San Cristóbal, Venezuela, la exposición Aforismos.

Este grupo de pintores que exhibió su obra hace parte del Movimiento Artístico de Colon, ciudad que queda ubicada al oriente del Estado del Táchira, a dos horas de su capital, San Cristóbal. Este grupo de trabajadores incansables del arte y la cultura llevan 20 años de labores ininterrumpidas, en la que han ido construyendo identidad local y espacios de reflexión del quehacer de la labor plástica y visual.

En este evento participaron Antolinez Castro, Oscar Casanova, Carlos Cruz Aceros, Guidaly Castro, Luis Quiroz, Mauricio León, Euro Durán, Edgar Pineda, José Guerrero, Nelson Garzón, José Antonio Díaz, Oscar Abraham, Richard Moncada, Anderson Jaimes, Roberto González y Billy Spence.

Durante la inauguración se presentó la Banda Sinfónica Juvenil de San Juan de Colón, quien interpreto con brillantez inusitada un amplio y variado repertorio de música clásica.

Fotografías:

1. Oscar Casanova. Obra: Garimpeiros XXI. Oleo. 1, 00x1,50 cms. 2007.

2. José Guerrero. Obra: Oro del futuro. Oleo. 1x1 m. 2007.

2. Richard Moncada. Obra: El divorcio de mis padres. Impresión digital, lona acrílica y tela. 86x1,66 cms. 2008.

3. José Antonio Díaz Terán. Obra: A, A tu salud, brindemos por la verdad. Foto-ensamblaje. 70x90 cms. 2007.

4. Anderson Jaimes. Obra: Tejedoras. Mixta sobre tela. 80x1,00 cms. 2008.

5. Billy Spence. Obra: Los filósofos. Oleo. 1,59x1,32 cms. 2007.

6. Intervención de la Orquesta Sinfónica Juvenil de Colón.

Exposición Aforismos. Casa Steinvorth - Fundación Banfoandes (Carrera 6 con Boulevar "Chucho Corrales" Centro) San Cristobál, Venezuela. Entrada Libre.

EL ARTE Y LA HISTORIA

A propósito del Bicentenario de la Independencia
Por. Victor Hugo.

Para reflexionar: ¿Cuál es la capacidad de representación del arte? ¿A qué niveles de reflexión nos conduce el arte? ¿Desde dónde observan la realidad y su contexto los creadores? ¿Arte público o visión ideológica? ¿A quién le sirven los creadores? ¿El arte y las decisiones políticas, qué le pertenece la ciudad y qué hace parte de su identidad histórica? ¿El arte: simple decoración del poder, homenaje a la infamia o coyuntura política? ¿Arte: independencia, coalición, necesidad o pregunta? ¿Qué esperan de sus creadores la sociedad: negociación o reflexión? ¿Hasta dónde el arte interpela la sociedad? ¿Hay artistas de derecha o de izquierda. Acaso el arte es una visión desideologizante que simula la realidad entre los fantasmagóricos puentes de azúcar, la necesidad de viajar, los show mediáticos o la capacidad de investigación? ¿El arte plantea diálogos entre los insomnios y la capacidad de soñar? ¿Arte: señal, antecedente, presagio o acontecimiento?

Fotografía: Alcaldía de Bucaramanga. Estatua de los fundadores de la ciudad.Espacio público

Exposiciones: Casa del Libro Total

Humberto Delgado y Guillermo Antonio Prada Rodríguez
Por . Victor Hugo.

Desde el pasado 14 de febrero se exhibe en la Sala de Exposiciones los trabajos del maestro Humberto Delgado y, el arquitecto, Guillermo Antonio Prada Rodríguez, en un importante esfuerzo que realiza la Casa del Libro Total de Bucaramanga.

Sin embargo, debemos señalar, como lo hicimos en la anterior oportunidad, en el artículo: Apuntes críticos sobre la curaduría, publicado en nuestro blog a finales del 2008 (http://artistaszonaoriente.blogspot.com/2008/12/casa-del-libro-total-recuperacin-de-la.html), algunas observaciones de la puesta en escena de las obras de nuestros maestros santandereanos.

Habíamos señalado, en la anterior ocasión, que se sigue careciendo de una verdadera investigación curatorial; además, de una puesta en escena de las obras que enriquezca el acervo cultural de los santandereanos y, que ponga en evidencia, el aporte al patrimonio inmaterial, de quienes, con denodado trabajo y valor estético, le propusieron a las artes en Santander nuevas lecturas y le hicieron significativas reflexiones sobre su momento histórico.

A pesar, de ello, en la Sala de Exposiciones de la Casa del Libro Total, seguimos encontrando una clara intención de mostrar por exhibir sin criterio; porque, exponer un trabajo hace parte de una previa de investigación, que se arriesga a catalogar las obras, a contextualizarla y, asume con todo rigor, la formación del público. De tal manera, que lo que vimos es un gesto deleznable, que no se respeta al creador ni su memoria, que es la historia.

De tal forma, insistimos y le presentamos las imágenes de lo que nunca debería hacer ninguna exposición en la ciudad. De tal forma, que juzguen ustedes.

Para concluir, y sin desdeñar, la valiosa labor que viene haciendo la Casa del Libro Total, al presentarnos los maestros del arte de Santander, tenemos que resaltar que este es un verdadero ejemplo de lo que no debería suceder en ninguna exhibición, que entre otras cosas es un acto de profundo amor, convicción y respeto por nuestra religión: el arte.

Casa del Libro Total. Exposición: Humberto Delgado y Guillermo Antonio Prada Rodríguez (Calle 35 No. 9-81) Entrada Gratuita. Lunes a sábado de 7:00 am a 9:00 pm.

GUILLERMO SPINOSA, POR EL MISMO

Sobre el Maestro
Por. Gabriel Ayala Pedraza, Escritor.

No recuerdo con exactitud el momento de mi vida en que tracé mis primeras líneas, pero una tarde, quizás a mis siete años, mientras se despiden los últimos vapores de la fragua ardiente en el taller de mi padre, me acerque sin que lo notaran, tomé una porción de barro con el que se taponaban los hornillos y con aquella masa esculpí un par de cristos, que por la limpieza de la forma, pude evitar el castigo de mi padre y conjurar la ira de los operarios, cuenta el Maestro Spinosa. Y ese prodigio del Maestro, que desde sus primeros momentos como artista ha desbordado en su desconcertante madurez, es la constante manifiesta de su obra. Como a todo artista, lo hemos visto acometer rupturas que dejan en vilo sus convicciones y su conciencia, pero asumir y vencer estas crisis profundas es lo que ha hecho que su obra haya alcanzado la perfección plástica que se le conoce.

Desde sus comienzos y para decantar su propio estilo, el Maestro Spinosa ha sabido sortear las pruebas de los iniciáticos: el estudio de los clásicos, de los impresionistas, de las construcciones geométricas, del expresionismo y de las vanguardias de los sesentas, acompañados de las dosis cotidianas con la música de Bach, de Wagner y de Beethoven entre otros, le han permitido romper con las variaciones y demandas de la moda, para afianzar las inclinaciones que se ajustan a su espíritu.

Su entrega sin concesiones a la pintura, la dedicación física y mental permanente, su ingenioso imaginario y el amor prodigado a su oficio, lo han convertido en uno de los grandes maestros del final del siglo XX en nuestro país. Su vida y su obra le deparan sin duda un puesto en la historia, pero su gran responsabilidad, le increpa para llegar siempre más lejos, por eso se le considera como un Maestro. Cuando con sus obras nos convoca en su recurrente y ancestral imaginario, podemos exclamar sin duda, ¡Ah, es un Spinosa!, porque sus imágenes son parte de un repertorio que se nos hace familiar y cotidiano.

Han pasado más de cincuenta años en la vida artística del Maestro Spinosa y la búsqueda de su propia voz le permite afirmar con propiedad que cuando pinta oye. Son estos sonidos, esa forma secreta que lo guía, lo que encontramos en la exposición retrospectiva Spinosa, por él Mismo, que como homenaje al Maestro, uno de sus ilustres fundadores, en la conmemoración de sus veinte años de fundación, organizó el Museo de Arte Moderno de Bucaramanga.

MAMB. Museo de Arte Moderno de Bucaramanga. Calle 37 N° 26 – 16 Barrio Bolívar. Telefax: 097 – 6450483. Entrada Libre. Lunes a sábado: 9:00 -12:00 a.m. y de 3:00 – 7:00 p.m

MUSEO DE ARTE MODERNO DE BUCARAMANGA

“Que 20 años son nada”*
Tango (Alfredo Lopera – Carlos Gardel)
Por. Lucila González Aranda
Directora del Museo de Arte Moderno de Bucaramanga

La celebración de dos décadas de funcionamiento del MAMB implica un ejercicio de la memoria acompasado con los sentimientos del corazón. Más allá de una fría relación de cifras, indicadores cualitativos o cuantitativos de logros y frustraciones registradas cuidadosamente durante un lapso de tiempo determinado está latente el compromiso de sus fundadores, gestores, promotores, funcionarios, voluntarios, artistas plásticos, docentes, historiadores y el público quienes han demostrado en forma convincente que es posible lograr que una institución museal haya permanecido fiel a su misión fundacional de “ser el lugar de convergencia de los testimonios del arte contemporáneo.” Si fuera necesario esgrimir algún argumento para justificar la existencia de una institución como el MAMB, bastaría con saber que se ha convertido en la ventana para que Bucaramanga ingrese a la modernidad.

Los aniversarios siempre motivan el recuerdo, la búsqueda del pasado que concluye con la pre-figuración del futuro: es por ello, que hoy los invito a rememorar, el 18 de enero de 1985 cuando sucedió que el ingeniero Gabriel Hernández organizó una exposición colectiva e invitó a los artistas Guillermo Spinosa, Sonia Gutiérrez y Luis Ernesto Parra en la Casa de la Cultura de Piedecuesta. Conforme al relato del maestro Espinosa. Al día siguiente a la inauguración, Gabriel me visitó e informó que mi obra titulada “Fósforo” había sido agredida por motivos extraños y me entregó un cheque en blanco por el valor de la pintura. Le agradecí el gesto pero me negué a llenar el cheque más bien le propuse: “¿porque no fundamos un museo de arte?”

La respuesta de Gabriel Hernández fue el comienzo de una intensa campaña para contar con el primer elemento constitutivo de un museo: “El Continente”: una bella casa republicana ubicada dentro del perímetro urbano de Bucaramanga en la Calle 37 No. 26-16 Barrio Bolívar con un área disponible de 2910 m2.

Los recursos financieros para la adquisición del inmueble fueron el resultado del esfuerzo mancomunado entre la contraloría General de la República, Rodolfo González García, la Gobernación de Santander con los doctores Eduardo Camacho Barco y Álvaro Beltrán Pinzón.

Paralelamente se propuso conformar el segundo elemento constitutivo: El Contenido, fue así como el presidente de la Junta Gabriel Hernández viajó a Bogotá y obtuvo 25 obras en calidad de comodato de parte de los más connotados artistas nacionales, obras que fueron expuestas al público en las futuras salas del museo.

En 1989 asumí la dirección del Museo y recibí el encargo de adecuar los espacios conforme a las normas museográficas vigentes, proyecto que se cumplió bajo la dirección de los arquitectos Oscar Posada y Pedro Gómez Navas. Finalmente el 9 de febrero de 1989 se inauguraron oficialmente los espacios museográficos al público: dos (2) salas de exposiciones, el patio de esculturas con la exposición “Recuerdos de Macchu Pichu” obra reciente del maestro santandereano Eduardo Ramírez Villamizar.

A partir de esa fecha se acometió el trabajo de diseñar, ejecutar y evaluar los otros dos elementos constitutivos del museo: La Planificación y El Público”. En 1995 se reformaron los estatutos modificando el nombre original y se adoptó el actual: Fundación Museo de Arte Moderno de Bucaramanga. A partir de 1999 se inscribió el MAMB en la Red Nacional de Museos, Programa de Concertación “Romper Los Muros” que cumple actualmente la Novena Versión.

Recibimos un continente, una sede que se logro ampliar hasta la avenida la rosita en 293 metros2. El antiguo parqueadero se transformo en jardín de esculturas consolidando así el sector educativo con la Sala Terpel. Los resultados de las cuatro áreas programáticas durante dos décadas será un tema de análisis en el curso del presente año. Pero las metas cumplidas durante dos décadas muestran en forma convincente que es posible lograr que una institución museal permanezca a pesar de los avatares del oficio en un medio proclive a hacer naufragar los esfuerzos culturales

El MAMB ha permanecido incólume por que se ha propuesto ser fiel a su misión de ser una institución al servicio de la sociedad y de su desarrollo que investiga, colecciona, exhibe y divulga los testimonios del arte a través del estudio, la educación y el deleite.

Esta permanencia no es una milagro, es el fruto de un esfuerzo compartido con un equipo de trabajo fiel que ha recibido del museo el mejor diploma de ética profesional, capacitación y ante todo el de sentido de pertenencia arraigado en la convicción “que hacer cultura es resistir”

Hoy hemos querido que nos acompañen en esta noche nuestros gestores y amigos:

Rodolfo González García
Eduardo Camacho Barco
Ricardo Gómez Vanegas
Alberto Hincapié Corral
Jorge Valderrama Restrepo
Carlos Valencia Gölher
Armando Puyana Puyana
Eduardo Ramírez Villamizar
Carlos Gómez Castro
Alfonso Villas Quintero
Manuel Antonio Porras

¡Para todos un caluroso aplauso...!

*Intervención realizada durante la inauguración de la Exposición: Guillermo Spinosa, por el mismo, el pasado 13 de febrero, en la Celebración de los 20 años del MAMB.

Fotografía: Maestra Lucila González Aranda, Patio de Esculturas del Museo de Arte Moderno de Bucaramanga (Calle 37 No. 16-26), 2009.

Secretaría de Desarrollo de Santander

Nuevo Secretario
Por. Victor Hugo.

Como la Secretaría de Desarrollo, según los acuerdos políticos, que mantiene Gobernador de Santander, Horacio Serpa Uribe, le corresponde al Polo Democrático; de tal manera, que está organización presentará a la consideración de la Administración Departamental los nombres de: Héctor Josué Quintero, de la ANAPO; también Alternativa Democrática, conformada por el Partido Comunista, el Moir y PUP, propone a Luis Torres y Francisco Centeno, el consultor del Departamento que coordina el Plan Decenal de Cultura; de otro lado, está Antonio Berbeó, independiente y Carlos Francisco Toledo, del Polo Democrático Independiente.

Al parecer la primera opción la tiene el actual Coordinador de Proyectos de Infraestructura, Héctor Josué Quintero, quien recibe la bendición del Senador Iván Moreno Rojas y, de su hermano, el Alcalde de Bogotá, Samuel Moreno; sin embargo, Francisco Centeno, también contaría con el apoyo de su antiguo jefe y actual Secretario de Gobierno, Luis Fernando Cote Peña, al tiempo, que funcionaria estrella de la Gobernación y Asesora de Planeación Departamental, Consuelo Ordoñez, también se sumaría a este propósito del ex-concejal de Bucaramanga. Hasta este momento, nadie se atreve a decir la última palabra.

Finalmente, se espera que el Gobernador, Horacio Serpa Uribe, tome la decisión antes de concluir la semana y esta sería anunciada a los medios más tardar el próximo viernes.

Cabe señalar, que es de interés este nombramiento para los creadores y gestores culturales del departamento, debido a que la Secretaría de Desarrollo tiene dentro de sus objetivos misionales la política cultural de Santander.

Fotografía: Fachada de la Gobernación de Santander (Calle 37 No. 10-30), Bucaramanga.

Programa de Bellas Artes, 11 Promoción

Proyectos de Grado, 2009
Por. Victor Hugo.

Por estos días, se exhibe, en la Sala de Exposiciones del Instituto Municipal de Cultura de Bucaramanga, IMCT, los trabajos de grado de la onceava promoción del Programa de Bellas Artes del INSED, entidad adscrita a la Universidad Industrial de Santander.

“Nueva sangre corre por los intersticios del círculo artístico de Santander”, puntualiza el Coordinador del Programa, Curador y responsable del Montaje de esta exposición, Maestro José Germán Toloza Hernández, quien le presenta a nuestro departamento un novel grupo de creadores.

En la muestra podemos encontrar los trabajos de Andrea Avendaño, María Alix Gómez Gómez, Paola Correo Meneses, Juan Diego Mantilla Mendoza, Martín Acevedo Acevedo, Oscar Fernando Gómez Sarmiento, Mónica Argüello, Mini Johanna Herrera y Adriana Díaz Cordoba.

Fotografías:

1. Andrea Avendaño. Obra: Sueño al final de la cortina. Video instalación, 2009.

2. Yenny Paola Correo Meneses. Obra: Ajena Realidad. Instalación, 2009.

3. Mini Johanna Herrera. Obra: El vaivén del deseo. Instalación, 2009.

4. Martín Acevedo Acedevo. Obra: Serie pequeña historia del arte, Sin título. Ensamble, 2009.

5. Adriana Díaz Córdoba. Obra: Nos tomamos el centenario. Arte relacional, 2008.

Exposición Proyectos de Grado 2009. Instituto Municipal de Cultura y Turismo de Bucaramanga, IMCT, Calle 30 No. 26-117. Entrada Gratuita (9:00 a.m - 12:00 m y 3:00 a 6:00 p.m).

Foro Departamental de Cultura de Santander

En tres momentos
Por. Victor Hugo

Las imágenes lo dicen todo. El evento estuvo promovido y coordinado por el consultor y asesor de la Gobernacion de Santander, Francisco Centeno que tiene a su cargo la elaboración del Plan Decenal de Cultural del Departamento, durante la administración de Horacio Serpa Uribe. 

Esto fue un fracaso, como es la decepcionante gestión cultural que adelanta el Gobernador Serpa.  

Fotografía: Centro Cultural del Oriente, Capilla. Febrero 14 de 2009, Bucaramanga.

Mediación y Zona Oriente, 41 Salón "Nacional" de Artistas

Región Imaginada, desde otra perspectiva
Por. Ana María Jiménez Ríos,
Mediadora de Región Imaginada, 41 Salón “Nacional” de Artistas
2do. Semestre Artes Visuales. Pontificia Universidad Javeriana

En el 41 Salón Nacional de Artistas, realizada en la ciudad de Santiago de Cali fue una versión llena de diferencias, las que se evidencian en la descentralización del evento, de la cual los caleños nos sentimos muy orgullosos; así mismo, el hecho de no manejar premiación y, entre otras cosas, los invitados internacionales que hicieron del 41 SNA una Bienal, más que un Salón Nacional de Arte.

Los estudiantes de las Escuelas de Arte de la ciudad de Cali, recibieron una formación con el propósito de ser mediadores entre el público y las obras, para que tuviéramos un contacto directo con el movimiento del Salón, lo que se constituyó en una importante oportunidad para nuestro desarrollo profesional y nos permitió conocer las tendencias del arte en colombiano.

Cabe señalar, que el evento convocó al público caleño a las diferentes salas, al tiempo, que presentó mucha afluencia y participación de colombianos que arribaron de diversas partes del país y de ciudadanos que simplemente se acercaban al arte por primera vez.

También, es de resaltar que las temáticas de las diferentes salas de exhibición del 41 Salón Nacional de Artistas atrajeron el interés de muchas personas que tuvieron la oportunidad de observar las obras expuestas durante el evento.

De otra parte, como nosotros, los mediadores, tuvimos la oportunidad y la ventaja de entrar en contacto con el evento, el público, las obras y los artistas, pudimos darnos cuenta de ciertos aspectos que es imprescindible mejorar, por ejemplo: cómo es posible que demos más importancia a los artistas invitados que ha aquellos por los cuales el Salón se realiza. Así mismo, es inaudito y ofensivo que una sala de exposición sea abierta sin que todas las obras que la componen hayan llegado.

En otro aspecto, no había comité de reparación ni aseo de las obras lo cual mantenía las salas de exposición en bastante desaseo y por más que los mediadores intentáramos reparar o limpiar igual no era suficiente y había muchos casos donde era muy difícil “meter la mano”. Además, el artista Jaime Ramírez (Pekos) no aparecía en la lista oficial, por ende si algo le ocurría a él o a su obra no había responsabilidad alguna.

De tal manera, que el artista Pekos llegó a la Sala de Exposición de Comfandi, donde se encontraban expuestas las obras de los artistas de la zona oriente, tres días después de la inauguración del 41 Salón Nacional, con un yelmo para realizar un performance y en el que se llevaría su obra, porque se sentía irrespetado por los Curadores Nacionales y los organizadores del evento. Sin embargo, para su sorpresa no pudo ejecutar su plan, porque su obra ni siquiera había llegado de Norte de Santander. Finalmente, terminó con un performance sobre la fuerza de los dioses que tuvo como publico niños pequeños de un Colegio de Cali.

A pesar de todo, a la hora de las evaluaciones, entre estas y otras dificultades, es fundamental resaltar los hechos relevantes, tales como: el público aprecio mucho el 41 Salón Nacional de Artistas. Pero, voy a referirme al núcleo de “Presentación y Representación” en el que se encontraban los artistas de la zona oriente, Santander, Norte de Santander y el Estado Táchira, de Venezuela.

En este orden de ideas, las obras con las cuales el público se sintió enteramente identificado y exaltó la labor del artista, al plasmar lo que sentía frente la situación del país y de su conflicto personal, que siempre reflejaban la realidad que vive nuestra Colombia, que pasa por una convulsa época, donde los más afectados son aquellos que se encuentran en la periferia, zonas en donde normalmente “los silencios son plurales”, “los sueños de los niños están hechos de materias dolorosas hechas de guerra”, la gente de la ciudad no se da cuenta que se encuentra igual que la del campo en la misma cuerda “sostenida”, los mismos conflictos que nos afectan desarreglan nuestros corazones dejándolos “sin norte” , deforestando nuestros amados bosques por la droga o el tráfico ilegal, la casi perdida selva del Catatumbo, así también como deforestan nuestras familias y el hambre aquel “pecado inmoral” que mata miles de niños en choco y, sin embargo, nosotros seguimos pensando que eso sólo pasa en Somalia.

En la Sala de la Zona Oriente, de Región Imaginada, la gente lloró. En esta sala es en la que pase todo un mes, por eso es aquella de la que puedo hablar con confianza. Sé, que me falta nombrar muchas obras, pero también sé que todos esos sentimientos que vi en el público no acabaría de evocarlos en este momento; por eso, simplemente pido a los artistas que sigan este camino, que muevan masas desde su ubicación, que toquen corazones y hagan evidentes aquellas cosas de las cuales no queremos saber, porque “el pueblo ignorante repite su trágica historia”.

Perdonen los irrespetos y las dificultades del 41 Salón Nacional de Artistas realizado en este 2008 y enero de 2009. ¡Muchísimas gracias por hacer esto posible!

Los Artistas de la Zona Oirente, de las Curadurías Región Imaginada, Investigación Curatorial del Gurpo Cordillera, y Voces Acciones y Slencio: Libro de Artista No Declarado, del Grupo Integrarte, exhibimos en la Sala Comfandi de Cali (Calle 8 No. 6-23).

Fotografía: Yadira Polo. Obra: Sostenida. Dimensiones variables, 2007.

LUIS CAMNITZER, 41 SALÓN “NACIONAL” DE ARTISTAS

Camnitzer sin Camnitzer
Por. Victor Hugo

Uno de los artistas más anunciados y esperados al 41 Salón “Nacional” de Artistas, Urgente Cali, era el uruguayo Luis Camnitzer; desafortunadamente, nunca llegó el maestro, mientras que su obra fue exhibida dentro del núcleo curatorial de la cuestión de la imagen.

La lección es una instalación de de 6 proyectores de diapositivas en los que se espera ver una imagen, que nunca aparece, sobre la historia universal del arte, pero que mantiene el fatigante y definitivo plano en blanco de un punto de vista irónico o no, de la cátedra de un maestro sobre lo que para él son los momentos significativos del arte: mucho que ver, demasiado por decir pero todo por pensar.

Burla o no, la obra era una sinfonía de proyectores que corrían y sólo develaban, en medio de una sala que se hacía pesadamente calurosa y ceremoniosamente silenciosa frente a la cátedra magistral de Camnitzer, con la que él maestro pretendía asomarnos a su versión del arte, o tal vez a la nada.

Sinopsis de Camnitzer

Aunque nació en Lübeck, Alemania y inmigró a los 14 meses, lo que posteriormente lo convertiría en ciudadano uruguayo. Luego, el maestro estudia escultura y arquitectura en la Universidad de la República de Uruguay; posteriormente, realiza estudios de escultura y grabado en la Academia de Múnich. Finalmente, en 1965 funda con a Liliana Porter el taller New York Graphic Workshop. Camnitzer es desde 1969 es profesor emérito de la Universidad del Estado de Nueva York.

Fotografías: ©Hugsh, 2008. Camnitzer sin Camnitzer.

Luis Camnitzer. “Lección sobre la historia del arte”, 2000-2001. Instalación con proyectores de diapositivas, objetos de material reciclable, sillas, papel periódico y vidrio. 41 Salón “Nacional” de Artistas, Urgente Cali. Colegio de la Sagrada Familia, Calle 3 Oeste No. 3-20, Cali.