EXPOSICIÓN: COSIMA VON BONIN Y LA ALEGRÍA DEL FRACASO

Por. Víctor Hugo

Sí, retrotrae la memoria con imágenes de la cultura popular y lo instalan en la sospecha que origina la ambigüedad al descontextualizarla, probablemente desafía su presente, porque inmediatamente aparece la incertidumbre ante la posibilidad de la duda por lo que realmente sucedió, así aparece el humor en las 70 obras exhibidas en la Schirn Kunsthalle Frankfurt, de la artista nacida en Kenia pero de nacionalidad alemana, Cosima Von Bonin. 

La exposición “Somos muchos”, curada por Katharina Dohm, estará abierta hasta el próximo 9 de junio en la ciudad alemana de Frankfurt y en ella su creadora no solo expande el humor para permitirnos reflexionar sobre lo preconcebido y normalizado; pero también sobre las reglas sociales que nos impuso el neoliberalismo y su ética laboral y se burla de ello con esa actitud disoluta en la gestualidad de sus piezas muy cercanas al concepto de alienación como lo propone el libro “Para leer al Pato Donald” (1972) de Ariel Dorfman y Armand Mattelart; además con sus estrategias artísticas que van desde la apropiación, la colaboración y la delegación, donde se ién es pregunta: ¿Quién es el autor? 

Por otra parte, Von Bonin nos propone un alto para cuestionar una sociedad en estado de cansancio vegetativo y agotamiento permanente, esclavizada por los horarios y la multiplicidad de trabajos necesarios que solo nos alcanzan para pagar el alquiler y los servicios públicos puntualmente so pena de enfrentar la autoridad y la ley. Esos andamios construidos para sostener el poder y destruir paulatinamente, no solo la privacidad sino la desaparecida clase media profesional, las mismas que se niega a caer definitivamente y prefiere mantener su arribismo social, poniendo de relieve su visión art nouveau de su precaria vida cotidiana. 

La alegría del fracaso 

Quién de nosotros en la cultura occidental no recuerda la enfermiza obstinación del Pato Lucas que refleja la contumacia patológica de una sociedad narcisista y onanista determinada exacerbar al triunfo de los ganadores y a deleitarse con sus sabores, así sean de los otros, desde sus cómodos sillones frente al televisor donde transcurre su noción de actualidad, del aquí y el ahora. Así indefectiblemente el capitalismo nos repiten como un mantra religiosamente intencionado y para que nunca se nos olvide su promesa de que “algún día nos tocará”, ese del “Pronto llegará / El día de mi suerte / Sé que antes de mi muerte / Seguro que mi suerte cambiará”, como dice la canción creada en colaboración entre Héctor Lavoe y Willie Colón, en 1973. 

Sin embargo, a contrapelo de ese anhelante soporífero estado del éxito conquistado y del héroe engalanado con el olivo que hacemos nuestro, está el recurrente fracaso que nos hace reír de un Pato que maximiza hasta la normalidad la mentira, la violencia, y la traición. Es ahí, en estas maniobras de las acostumbradas jugaditas [de uribista consumado] donde aparece la escalera que nos conducirá definitivamente al cielo para alcanzar la victoriosa corona sin dolor alguno ni desprendimiento; así todo es color de rosa, como parece nos impuso a la sociedad la democracia liberal y en la que Freud nuevamente parece tener la razón. 

Este personaje Lucas, que significa “el hombre que es iluminado” representado por un comic oscuro como su envoltura, donde anida su profundo y amargo egoísmo, se juega la vida sin ninguna consideración ética frente a su adversario y utiliza a los demás y a quien no todo le resulta exitoso. 

No obstante, nunca deja de ser una amenaza bélica en búsqueda de su cuarto de hora, de su viralidad, de su reconocimiento, ese que en la actualidad se nos revele como valor social supremo y con ello Cosima pone en cuestión la esencia del capitalismo y uso del marketing para materializar la única realidad concreta: somos simples esclavos, es decir, alcanzamos la ciudadanía cuando expresamos la necesidad de pertenecerle y nos convertimos en sus consumidores, como lo presenta Néstor García Canclini en su libro “Consumidores y ciudadanos: conflictos multiculturales de la globalización” (1995). 

Tal vez, por eso, en la serie “Open Your Shirt Please” (2019), está en extrema tensión, el Pato Lucas lucha contra el inefable negro que lo amenaza con expulsarlo siempre. Al contrario, en las recientes obras textiles como Kalt Modern Teuer, Emporkömmling y Social Climber (2023), el antihéroe manifiesta un nuevo sentido de confianza en sí mismo. Mientras, que en la escultura Church of Daffy (2023), finalmente triunfa y se nos presenta como un profeta con las manos en alto, casi que abriendo su devota alma a lo divino; sin embargo, su embriaguez de gloria lo tiene al borde del abismo y corre peligro de caer. En contraposición a esta escena, en Blame Shifting (2020), un grupo de Bugs Bunny están atrapados en el bote de la basura, este comentario a manera de coda parece ser una inevitable moraleja de la angustiante contemporaneidad que produce el sistema capitalista. 

La Exposición

 

En la primera sala encontramos una instalación de lo que parece un juguete tierno de pollito gigante sobre un misil; además, de esos muñecos fetiches de peluche con esposas que inalterablemente nos habla de nosotros mismos, no solo al exponer nuestra imaginación, sino al materializarla en el otro. Así mismo, aparece un grupo de cerdos rosados yacen tumbados y cansados a la espera de una suerte de la que aún no son consientes (Open Your Shirt Please de 2019). 

Por otro lado, encontramos una serie de textiles sobre bastidores, que von Bonin llama “Lappen” (trapos) y que parecen una especie de vallas publicitarias al estilo de los monocromos de Blinky Palermo de finales de los años 1960 o a las pinturas de Sigmar Polke sobre telas baratas. También, la artista usa fragmentos de texto para sus piezas elaboradas a partir de retazos (patchwork), como un juego de palabras contradictorias donde aflora el humor inteligente. 

En este punto parece contradictorio referirse al humor inteligente, aunque es necesario cuando el único significado de lo que se supone chistoso es lo abyecto y la hipérbole como estridente burlar carnavalesca del otro y no al humor que nos hace pensar, como resolutivamente lo sentencia Les Luthiers: “El que piensa pierde”, así leen esta premodernidad de la que algunos se niegan a escapar y que se convirtió, es estrategia de la que la derecha Latinoamérica muy extendida por los medios corporativos de información para mantener el poder y de que nos hemos salido como sociedad. 

Fotografía: ©Schirn Kunsthalle Frankfurt 2024, Photo: Norbert Miguletz y Dan Bradica

¿STREET ART EN BARRANCABERMEJA?

 

Lo que expresa una pared desde el arte no deberían ser únicamente impresiones sensibles aisladas de su contexto, cercanos a la publicidad y el cómic; ni esa recurrente propaganda religiosa evanescente que nos presenta el fanatismo segregacionista del cristiano; tampoco la levedad de una firma que marca el espacio público en busca reconocimiento frente al estigma social o institucional ni el acto inconsútil para decorar una calle; pero así son los gestos plásticos presentes en la recién inaugurada galería de street art (arte urbano), ubicada en la entrada de la Comuna 7 de Barrancabermeja, frente al parque de La Memoria. 

A pesar de ello, el hecho más relevante, la substancia, de este espacio cultural, es precisamente lo que subyace como el fantasma y recorre las calles de la ciudad: sus procesos de construcción social. Esta acción de enunciación revela no solo la apropiación de lo público y cómo desde lo comunitario se resignifican, sino el indiscutible liderazgo de un grupo de jóvenes que intentan desde su perspectiva subvertir la deriva y permitirse a sí mismos repensar su cotidianidad y darles salidas a su propia realidad, lo que por sí mismo se constituye en un poderoso contenido cultural, que desafortunadamente no se hace presente en la pared.

El street art 

La primera pregunta que nos surge es responder a la categórica pregunta: ¿qué es el street art? Esta nos lleva a su propia respuesta. En este sentido, podríamos estacionarnos en el concepto que lo explora como una forma de expresión alterativa, con técnicas y recursos propios que interviene los espacios públicos para no solo sorprender al transeúnte, sino mantener con él un diálogo cómplice y reiterativo.

El arte urbano tiene dos características intrínsecas en su puesta en escena: en primer lugar, se mantiene desde sus inicios el acto creativo como una producción ilegal y efímera, con el propósito de subvertir la supuesta asepsia de una normalidad controlada por la autoridad. En segundo lugar, propiciado desde la institucionalidad, se legaliza como una resolución que responde a la toma de la pared que interpela al poder y activa, de cierta forma, el valor de la crítica política y social al exponer sus discursos desde la capacidad de la representación. Estos discursos mantienen el coma cerebral de la sociedad sumergida en la extensa propaganda que le da soporte, posibilitando la gobernanza y que se difunde a través de los medios privados de información.

Por otro lado, y para ponernos en contexto, algunos historiadores del arte señalan que este aparece en los albores mismos de la civilización e indican cómo desde la antigüedad ya hay vestigios de sus antecedentes, como en la ciudad de Pompeya en el año 79 a.C.

 En el siglo XX se mencionan a artistas como Jean-Michel Basquiat, entre otros, quienes usaban los espacios públicos para exponerse. Pero es a finales de la década de los años 90 que se acuñó el concepto de post-grafiti para agrupar diferentes expresiones que aparecieron en las ciudades europeas y en el imperio del norte. Aunque fue posterior a la irrupción del movimiento contracultural que gestaron los jóvenes en París en la primavera de 1968, bajo la consigna: "La Imaginación al poder" o "Seamos realistas pidamos lo imposible".

Este mismo fenómeno también se hizo presente en Norteamérica cuando los jóvenes comenzaron a organizar sus protestas contra la guerra de Vietnam y se configuraron las primeras comunas hippies y los movimientos sociales contra la segregación racial, como The Black Panther.

En este sentido, hay quienes proponen que la génesis del arte urbano se dio como evolución del movimiento Bombing de Filadelfia, con el que los artistas bombardearon las blancas y ofensivas paredes que mostraban una aparente normalidad y limpieza, no solo formal sino también en la conciencia de la sociedad, y que luego fue apropiado por los jóvenes del Bronx en Nueva York, quienes firmaban los vagones del metro para marcar territorio contra la exclusión social, de la que aún siguen siendo víctimas, y donde finalmente aparecieron las imágenes

El strret art barranqueño

 

Como ya lo apuntábamos, al parecer en la ciudad hay un entusiasta grupo de creadores en pleno proceso que se expresan en las paredes de la ciudad y quienes tienen una misma técnica, una paleta de colores muy uniforme y apelan al efectismo de temas e iconos recurrentes; no obstante, muestran cierta destreza formal aunque con algunas dificultades en el dibujo

Por otro lado, la galería de arte urbano inaugurada el pasado domingo 24 de marzo, ubicada en las inmediaciones del parque de La Memoria, representa un hecho nada menor, porque fue precisamente en este sector donde se presentó la masacre del 16 de mayo de 1998, uno de los sucesos que marcó la ciudad y dejó 32 personas asesinadas por el narcoparamilitarismo

Sin embargo, intencionalmente o no, estos artistas le dieron la espalda a la historia reciente de la ciudad y el desgarrador suceso no les dijo nada; esta declaración se materializa en lo que expresaron los creadores y para algunos se constituye en un gesto de desideologización del espacio mismo, de desmemoria, como lo diría Eduardo Galeano; al mismo tiempo, este desafortunado olvido podría estar al mismo nivel de la estrategia empleada por la derecha colombiana, que es secundada por los medios de información, quienes reiteradamente se han opuesto a los resultados de la Comisión de la Verdad y de la Justicia Especial para la Paz, JEP.

De otro lado, vemos los íconos repetitivos de siempre: iguanas, jaguares, mariposas, garzas, junto a declaraciones de carácter religioso, algo de cómic y una muy lejana representación de lo indígena, que además está muy de moda, en todo el arte. Todo esto denota hasta dónde ha llegado la investigación que hacen los artistas de Barrancabermeja, quienes se quedaron en esa noción romántica del arte como inspiración o de la pintura automática del dadaísmo; mientras que hoy todos los hechos artísticos están soportados en la investigación, porque lo que nace de llana espontaneidad no es arte.

También, vemos algunas firmas sobre el espacio; este gesto se usó a finales de los años 80 y 90 en Nueva York y se impuso en todo Occidente, quizás por el momento histórico dominado por la globalización (estrategia de homogeneización y cristalización de la conciencia social), que en cierta medida dio sus frutos porque las relaciones sociales que hoy planteamos son un reflejo de ello; todo esto impuesto desde los Estados Unidos por los Bush y Reagan, y de la espeluznante líder conservadora Margaret Thatcher; pero hoy esas letras góticas ya no funcionan ni nos dicen nada.

En este punto, también hay que advertir que tampoco se trata de usar la pared para hacer consignas, sino de preguntarnos cómo vamos a intervenir y de qué nuevos sentidos vamos a dotar al espacio público. Porque si la idea de la Administración Distrital es promover verdaderas propuestas de arte callejero que se conviertan en referente e impulsen el turismo cultural, como lo propone el Gobierno Nacional, estamos muy lejos de lograrlo. Tal como lo ha hecho Bogotá y el mismo Londres, donde se ofrece un recorrido por toda la capital inglesa para observar la obra fundamental de Bansky.

La gestión 

(De izq. a Der). Secretario Distrital de Cultura Alexis Guerrero Sánchez: Alcalde Distrital, Jonathan Stivel Vásquez Gómez y el artistas Juan Carlos Ardila Beleño. 

En este punto, es importante problematizar: ¿Cuál es el concepto de cultura que define el quehacer de los artistas de Barrancabermeja? ¿Cómo se llevan a cabo los procesos de gestión y cuáles son sus alcances? ¿Cómo se realizan las convocatorias y bajo qué determinantes? ¿En qué medida interviene la curaduría?

Preguntas que esperan sus respuestas y a las que necesariamente deben ser planteadas en la discusión permanente sobre lo que está haciendo el movimiento artístico, los alcances de los procesos y el quehacer de los trabajadores de la cultura de la ciudad; eso sí, muy aparte de los cuestionados mecanismos de tercerización de la contratación pública y con los que parte de los recursos destinados terminan en manos de quienes ni siquiera son de la ciudad, como lo hace el Centro Cultural del Oriente, y con los que se pagan presuntamente favores políticos, se cumple con la clientela y se deja entrever el poder del fantasmagórico del operador.

Ahora bien, en momentos en que se define la ruta para los próximos cuatro años del Distrito de Barrancabermeja, también sería importante conocer o definir si los creadores han intervenido en el Plan de Desarrollo, tal como lo contempla la Ley 152 del 15 de julio de 1994 y sus posteriores avances, porque no solo se trata de convocar a los creadores y gestores para escucharlos, sino cuánto de sus proyectos se materializarán y cuál va a ser la definición de su quehacer. Sería interesante. Así como cuál va a ser la política de artes plásticas y visuales de Barrancabermeja.

Las fotografías 

Ante lo que defino como gestos plásticos, mi mirada sobre ellos y estas realidades a las que me refiero, me propuse abordar la construcción de imágenes con cierto humor (las primeras tres) y como una indagación de lo lúdico, con el fin de posibilitar otras lecturas y observar el uso social que hacen los transeúntes de las propuestas plásticas, porque no se trata de salir a pasear sino de indagar sobre nuestra realidad.

 

En este orden de ideas, la intención no es presentar conceptos concluyentes, sino de abrir la posibilidad de la discusión, si se quiere con quienes así se lo permitan, no de la incapacidad reduccionista de definir sus inamovibles categóricos de lo irrefutable, sino desde la concepción del arte.  En este orden de ideas, la intención no es presentar conceptos concluyentes, sino abrir la posibilidad de la discusión, si se quiere, con quienes así lo permitan, no de la incapacidad reduccionista de definir sus inamovibles categóricos de lo irrefutable, sino desde la concepción del arte.

Esa misma concepción que se propone multiplicar el sentido de los objetos que cotidianamente nos rodean y donde interviene la mirada del artista para dotarlos de nuevos valores significativos al atreverse a exponerlos por fuera de su contexto habitual; así como las prácticas y los hechos producidos por las comunidades.

 

Desde esta perspectiva se trata de abordar la creación de objetos por fuera de su singular rutina, de permitir percibirlos desprovistos de ella y así crear nuevas piezas con esa polifonía de voces, tal como nos lo propone Jacques Lacan quien indicó que un objeto es elevado a la categoría de arte no por lo que yo observo sino por el diálogo que establece con mis sentidos[s].

Fotografias: ©ArtistasZona, marzo de 2024.

EN BARRANCABERMEJA, MÁS HAYA DE LA PIEL DE AZAFRÁN

Por. Víctor Hugo

“Hermoso lirio que alegra mi vida”

Gladys Saldaña

Estas sinuosas líneas de azafrán nos conducen decididamente a ese inalterable destello de sentido[s] donde respiran nuestras historias y el erotismo, no el tántrico ni el de la puesta en escena del cuerpo que deja asomar su provocadora desnudez, sino el de la pasión por la vida, la que no se empantana como un Romeo arrodillado en el jardín de sus delirios o Jay Gatsby alucinado por una Daisy llena de lirios(“El Gran Gatsby”) y donde esta flor adquiere un preponderante protagonismo simbólico. 

Tampoco en esa tormentosa relación entre el “noble caballero” Félix de Vandenesse y Madame Henriette de Mortsauf, una burguesa casada, los que parecen estar inamovibles en la novela de Balzac(“El Lirio en el Valle”) donde nos detalla la siempre almidonada aristocracia y la húmeda espesura de sus frustraciones en 1836, después del fracaso la Revolución Francesa y cuando sucumbía el reinado de Napoleón Bonaparte, al tiempo que regresaba al poder su vergonzante monarquía. 

Quizás esa misma maleza la exhibe en el discurso “bocaraz” Enmanuel Macrom, que deja al desnudo la tarea que cumple como globalista, al buscar no solo destruir a Europa invitándola a la guerra, sino entregársela, con un gesto de supremacista genuflexo, a los designios geopolíticos de los Estados Unidos y dejarla en manos de las multinacionales de la industria bélica norteamericana. 

Sin embargo, frente a esa amenaza que intenta empañar la bella luz, William Blake(“El Lirio”), no propone detenernos en su “deleite”, antes que desaparezca definitivamente la piel de azafrán y mejor invitación no podría ser la que nos hace desde el siglo X, la japonesa Sei Shonagon, desde su nada contemplativo “Libro sobre la almohada”; aunque, podríamos dejarnos seducir por la sugerencia de la escritora estadounidense Edith Wharton, y adentrarnos en su nada consonante novela en “La casa de la alegría”. 

Finalmente, esas sinuosas líneas de azafrán no nos conducen a donde pernocta el opulento éter que perturba el universo y habita entre las calles o los hoteluchos a la que hace referencia “La canción de amor de J. Alfred Prufrock” del poeta inglés T.S. Eliot y donde sus preguntas nos atenazan: «¿De qué me hablas?» «¿Me atreveré yo acaso?» «¿Será el perfume de un vestido lo que me hace divagar así?», nada baladí su interpelación, porque con las imágenes este caprichoso lirio que florece una vez al año nos dice: «Soy Lázaro que regresa de la muerte/para os revelarlo todo, y así lo voy a hacer»; quizás sea la pretensión de las fotografías, aunque a decir verdad y para no sonar presumido y como lo dice la misma poesía: «No. No fue esto lo que quise decir./No lo fue. De ninguna manera», «No. No soy el príncipe Hamlet. Ni he debido serlo».

Piel de Azafrán 

Lleno de venganzas inoficiosas 

de recuerdos cancerosos 

fétidos de llagas incunables; 

de palabras ansiosas 

hervidas con sangre de la historia; 

de sabores amargos 

atrapados en los pliegues de tus adentros; 

de olores ébano 

que recorren tu piel de azaffrán; 

de dolores enconados 

expuestos al sol como Prometeo. 

Lleno de tus destierros 

intento deshabitar mis pensamientos 

en esta madrugada 

cuando apareces efimera 

y embriagado de tu delirio 

estoy sobre la almohada 

Fotografía: ©ArtistasZona, marzo de 2024.

FOTOGRAFÍA, EN CAÍDA LIBRE O LAS PROVOCACIONES DEL MOVIMIENTO UNIFORMEMENTE ACELERADO

Por. Víctor Hugo 

Enfrentar esta entrópica realidad que nos amenaza y expresarse desde el arte es dar un salto al vacío en medio de la escenificación distópica de los medios de información, que hacen implosión en una sociedad esquizoide y enferma, así como lo reveló The Economist este martes 19 de marzo, en uno de sus artículos donde señaló que el 20% de los niños norteamericanos sufren de depresión. 

Al mismo tiempo, en los países del primer mundo o desarrollados, la tasa de natalidad se detiene por debajo del 2,1 y con ello la población mundial empieza a reducirse; este dato podría ser la evidencia fáctica de una juventud con tendencia a lo efímero y donde nadie quiere hablar de ese viejo y sempiterno anhelo del concepto de familia, en tanto crece la noción de competencia, el narciso hedonismo y esa incertidumbre que homogeniza hasta el sentido del placer y todo lo convierte en sexo. 

Nada distinto a lo que sucede en los países del sur global, como el nuestro, donde a la industria del entretenimiento le interesa imponer las precarias estéticas del reguetón y el vallenato, que dan cuenta de esa abyecta noción de alegría, amor y tragedia de la vida cotidiana de quienes repiten masivamente a través del lenguaje de sus cuerpos hasta dónde llegarán sus vidas. 

Esos mismos son los que se exponen en los reels de las redes y buscan afanosamente hacerse virales, donde se hace tendencia la desnudes como artículo de venta; por eso, será que crece exponencialmente el número de niñas y adolescentes embarazadas en nuestros países, fenómeno social que da cuenta de una angustiosa ansiedad que se reproduce como legado patrimonial de familias fracturadas y de la sin salida que hereda cada generación en los sectores populares. 

Al parecer nada es alentador por estos días, donde se diluyen los rastros del ideario de esa promesa de una civilización como bien superior y garantía de que la vida vale la pena. Así lo cuestionó el soldado de la aviación Norteamérica Aaron Bushnell (QDEP), quien se autoinmoló frente a la embajada de Israel en los Estados Unidos como gesto de extrema protesta, el pasado 24 de febrero de este año y con el que dijo: “Ya no seré cómplice de un genocidio”. 

Ahora bien, estos conceptos, como el de ética se difuminan; así lo han hecho a lo largo de la historia, en medio del perpetuo miedo producido por el fin de los tiempos, predicado desde aparición del hombre en pulpitos, atrios o sinagogas, como esa maldición eterna del pecado original que recae sobre la humanidad y un planeta vigilado pacientemente por su luna y el Caballero Negro. Esa es la deuda espiritual, que se nos cobra como la deuda externa.

Pastores, sacerdotes o líderes espirituales presentan una conveniente idea de que la espiritualidad equivale a esa idea del Dios castigador o férreo guerrero que va abatiendo enemigos por doquier para su pueblo elegido o su genuflexa feligresía a la que es necesaria adiestrar y segregar de los malvados impíos que osan poblar este mundo. 

La misma idea con la que los dueños del poder nos hacen alucinar y drogados por sus deslumbrantes narrativas visuales o sus sensibileros y repetitivos discursos, como los que posan de progresistas, pero resultan ser ambidiestros ideológicos al estilo del exgobernador del Magdalena y exalcalde de Santa Marta Carlos Eduardo Caicedo Omar y su empresa electoral Fuerza Ciudadana; esas diatribas o predicamentos se convierten en desabridas, pero efectistas declaraciones cargadas de consignas reelaboradas una y otra vez por los expertos copistas de la propaganda.

Condenados por unos y otros, lentamente nos obligan a subir escalón tras escalón de nuestra desvencijada escalera hacia el suicidio que nos ata insondablemente y que cristaliza nuestra conciencia hasta la muerte, porque los que se disfrazan de izquierda son tan fascistas como los neonazis de la derecha. 

Y para asegurarnos ese camino, el norte imperial, junto al tenebroso Klaus Schwab del Foro Económico Mundial, su asesor Yuval Harari y los líderes globalistas europeos, que tienen el poder, alimentan frenéticamente el terror vendiendo la certeza que se nos aproxima la caída libre de los sagrados, únicos y supremacistas valores de la civilización occidental. 

De tal manera, que los blancos occidentales encarnan lo que se puede considerar como ciudadanía: solo ellos deben ser sujetos derechos; los demás no existen, son farsantes o son simples accidentes de la historia y hay que hacerles la guerra para que prevalezca la potestad de su poder emanado por la divinidad de lo absolutamente absoluto, tal como lo han hecho desde Las Cruzadas. 

Luego, entonces, asumir la soberanía y la autodeterminación de los pueblos es pura y llana conspiración como lo ha hecho Cuba o esa perversa complicidad que desafía el orden internacional en manos solo de Europa y los Estados Unidos, como lo hicieron los africanos al iniciar sus procesos de descolonización moderna: Burkina Faso, Chad, Guinea, Mali o Nigeria, quienes sacaron corriendo a los franceses de su continente o esos “extraños” hutíes de alpargata, quienes hacen uso del Derecho Internacional en defensa de los palestinos, hechos que son vistos como sospechosos y exóticos por parte del Estado profundo y la prensa de occidente. 

Bajo el anterior argumento, también los Norteamericanos y la OTAN bombardea Yemen, Irak, Siria y acabó con Libia, asesinando a Muamar Muhamad Abu-Minyar Gaddafi en el 2011, supuestamente por orden de los organismos de inteligencia durante el gobierno de Barak Obama. Pero nada de esto sería absolutamente posible sin la interminable manipulación del fin de los tiempos y ese mantra que repiten una y otra vez muchos: “hasta donde iremos a llegar”, y el sensacionalismo inoculado de qué todo está por terminar en manos del exotismo de quienes muy a pesar de sus esfuerzos aún sobrevive por fuera las murallas nucleares de occidente. 

Por otro lado, y a contracorriente del intimidante del Comando Sur en manos de Laura Richardson y con la presencia de la Cuarta Flota de la armada Norteamericana, que sigilosa o abiertamente recorre las costas de nuestro continente, quien no oculta que monitorean nuestros recursos naturales, se acaba de conocer que 23 países Latinoamericanos y del Caribe firmaron una carta dirigida al Secretario General de Naciones Unidas, en la que se pide el trámite en la plenaria de la Organización de las Naciones Unidas y la respectiva votación para el reconocimiento del Estado Palestino como miembro pleno de la ONU. 

Mientras esto sucede las figuras responsables de la escalada belicista y no elegidas mediante el voto popular por los ciudadanos europeos, como la señora Ursula von der Leyen, presidenta de la Unión Europea, se ríe ante las cámaras cuando un periodista le pregunta si sus hijos hacen parte de las filas del ejército alemán. Así nos recuerdan, con glamourosas sonrisas, que ellos tienen el poder y nosotros el miedo. 

Por eso, cuéstenos lo que nos cueste, aceitaran con miles de millones de dólares y euros la industria de la muerte para su guerra de poder, con el fin de enfrentar los maléficos demonios de la multipolaridad, que intentan sacar de los mismísimos habernos los BRICS; mientras nos llueven amenazas de todo tipo, censuras y persecuciones como la que mantienen condenado a Julian Assange y con él a todos nosotros, luego de la traición del corrupto expresidente ecuatoriano Lenin Moreno Garcés.

Así nos avisan lo que nos puede llegar a pasar si nos aventuramos a expresarnos y atrevernos a pensar; pero seguramente eso no es suficiente, porque en 167 días arrojaron en Gaza el doble de explosivos que la única explosión nuclear hecha por gobierno alguno sobre civiles, tal lo hizo Estados Unidos en nombre de la libertad y la democracia sobre Hiroshima y Nagasaki en 1945, a pesar de que ya se conocía la rendición de los samuráis japoneses. 

La diferencia es que hoy, a pesar de la amplia manipulación de la prensa internacional, se trasmite, casi que simultáneamente por valientes periodistas a través de las redes sociales, como caen toneladas de bombas sobre niños, mujeres y ancianos; como el ejército de Israel apuntan sus armas contra los trabajadores de la salud, periodistas, académicos y artistas; como destruyen escuelas, universidades, hospitales y mezquitas; todo esto por el hecho de ser un pueblo semita, como son los palestinos, y en el nombre del Dios sionista y el derecho a la defensa. 

Así justifican la barbarie del apartheid, la limpieza étnica y el genocidio de los que se suponen deberían defender los valores de la civilización; no obstante, los medios liberales se empeñan a fondo para asegurarse que sus audiencias estén plenamente convencidas y alienadas con el discurso de Biden, porque según ellos inocente y sorpresivamente él se vio enredado en el genocidio de Gaza y se siente profundamente acongojado por la hambruna.

Pero nadie cuestionó el hecho que mientras se refiere al tema, el presidente norteamericano se come un delicioso helado. Lo más relevante de todo es que el insulto les funciona, porque somos una sociedad voyerista y sedienta de actos sadomasoquistas.

Así atemorizados y dóciles esperan darle lugar al Great Reset (Gran Reinicio), la NetZero y dentro de su estrategia de despoblamiento mundial nos sofocan con el cambio climático para acabar con la producción agrícola, la soberanía alimentaria y obligarnos a comer sus alimentos creados en los laboratorios del “Gran Hermano” Bill, para envenenarnos uno tras otro, mientras preparan la próxima pandemia. Tal vez, nos están diciendo a los seres humanos, que por el hecho de producir dos libras diarias de CO₂, no tenemos derecho a respirar. 

Pero usted no se preocupe, en Colombia nos estamos viendo morir felices devorando la cultura paisa en cuanto envilecido melodrama se les ocurra a los canales privados; un variado y descolorido menú de realities shows para solazar mirones; el mafioso fútbol para sedentarios y sus encurtidas de mentiras enlatadas como noticias. 

Entre tanto, para los medios tradicionales y a las rutilantes estrellas del rabioso periodismo de Bogotá [“Con todo respecto”], no existe otra tarea diaria que defender el enriquecimiento de sus amos, el negocio de la guerra y mantener la impunidad, como uno de sus más valiosos privilegios y parte fúndante del Narco Estado paramilitar que intenta mantener desde la capital de Antioquía Álvaro Uribe Vélez, el Centro Democrático, acompañados por la peligrosa derecha de Cambio Radical y el Partido de la U. 

Por si no está conforme, para eso la ultraderecha, golpeada por la interdicción de la producción de los estupefacientes de sus emprendimientos, tienen a “Los Rastrojos” con el que presuntamente el presidente del Senado Iván Mane Vásquez y su Clan familiar, presuntamente compró parte de los votos para asegurar su curul. Si la cosa falla nos tocará a la puerta “El Clan del Golfo”, mientras se congregan en la ciudad gobernada por el Clan Char, los pulquérrimos empresarios para reunir 100 mil millones de pesos destinados a comprar las próximas elecciones y tumbar el proyecto progresista. 

A pesar de ello, del miedo, muchos nos movilizamos, nos resistimos y somos deliberantes sin dejarnos asustar y a “embrutecer por los medios de comunicación”, como lo indicó el presidente Gustavo Petro; así exorcizamos los fantasmas y nos atrevemos a producir imágenes como ritual contra quienes pretenden llevarnos a la muerte, pero “Si debo morir, tú debes vivir para contar mi historia...”, verso del poeta y educador palestino asesinado Refaat Al-Areer.

If I must die, let it be a tale. #FreePalestine #Gaza pic.twitter.com/ODPx3TiH1a

— Refaat in Gaza 🇵🇸 (@itranslate123) November 1, 2023

Fotografía: ©ArtistasZona, Marzo de 2024.

CERTÁMENES ARTÍSTICOS “CIUDAD DE TOMELLOSO” 2024

El 14 de junio vence el plazo para participar en el prestigioso Concurso de Pintura, Dibujo y Fotografía Ciudad de Tomelloso 2024, que cuenta con el auspicio de su Ayuntamiento.

El certamen está abierto todos los artistas de cualquier nacionalidad o lugar de residencia y en el que podrán presentar un máximo de DOS obras por modalidad, ya sea Pintura, Dibujo y Fotografía, con temática y técnico libre; sin embargo, no se admiten copias ni reproducciones de otras obras, así las que ya han sido premiadas en otros concursos. 

La inscripción debe realizarse mediante un formato (Descargar Aquí) y se debe enviar mediante sobrecerrado con el título, modalidad a la que se presenta; así como copia del documento de identidad o DNI, datos personales y curriculum vitae; también, se requiere un CD/Pendrive con fotografía de la/s obra/s en formato TIFF o JPEG en alta resolución y preparadas para reproducir, si es su caso e incluir en catálogo. 

Las dimensiones de las obras de pintura son de mínimo de 100x70 cm. y máximas de 200 cm. en cualquiera de sus lados, mientras que para la modalidad de dibujo es libre y se deben presentar con un junquillo o listón a su alrededor. 

En lo que respecta a las fotografías deberán presentarse sin enmarcar y montadas sobre passepartout de 2 mm. de grosor. No se admitirán aquellas fotografías montadas sobre otro tipo de soporte y cuyo formato debe ser 40x50 cm. 

De igual manera, las copias fotográficas podrán ser presentadas en impresión química o fine-art, siendo imprescindibles unas garantías mínimas de calidad y perdurabilidad. En el caso de impresiones digitales será recomendable el uso de tintas pigmentadas y papeles fine-art. 

Cada participante debe valorar económicamente su obra y lo hará constar en la Inscripción y las obras adquiridas formarán parte de la Colección de Arte del Ayuntamiento de Tomelloso. Las propuestas plásticas y visuales seleccionadas y premiadas de cada de las modalidades harán parte del Catálogo y de una Exposición cuya inauguración oficial tendrá lugar el día 30 de agosto de 2024, fecha en la que se entregarán los premios. 

Premios

Fondo Adquisición “Antonio López García” de pintura y dibujo: 9.000 € y Diploma.

Fondo Adquisición “Francisco Carretero” de Dibujo: 3.500 € y Diploma 

Fondo de Adquisición de para fotografías (Color y en Blanco y Negro) 2.000 €. 

Bases del Concurso (Descargar aquí) 

Mayores informes: Departamento de Servicios Culturales, C/ Independencia, 32 2a planta-13700 Tomelloso.- Tel.: 926528801 – Extensión 1370, de 9:00 a 14:00 h. Correo electrónico: cultura@aytotomelloso.es. Web: tomelloso.es

GANADORAS DEL V QUINTO PREMIO ANUAL DEL LEICA WOMEN FOTO PROJECT AWARD

El Quinto Premio Anual Leica Women Foto Project Award seleccionó cuatro propuestas de artistas visuales del Reino Unido, Canadá, México y EE. UU.

Por. Víctor Hugo 

El pasado 8 de marzo se conocieron las cuatro ganadoras del Quinto Premio Anual del Leica Women Foto Project, que tenía como eje temático: “La perspectiva es poder”, desde donde se exploran los conceptos de resiliencia y acto de re nacer bajo la mirada de la mujer. 

El Proyecto Leica Women Foto desde el 2019 tiene como propósito replantear cómo expresamos y consumimos narrativas visuales, con el fin de potenciar la perspectiva femenina y su impacto en la forma en que presenciamos, interpretamos e interactuamos con el mundo. En este sentido, a través del Women Photograph, Photoville, Las Fotos Project y el ConnectHer Film Festival, Leica Society International patrocina y subvenciona a los artistas visuales.

El Certamen 

Este año Adenike Sogbesan (más conocida como Dola Posh, Reino Unido), Stasia Schmidt (Canadá), Luvia Lazo (México) y Camille Farrah Lenain (Estados Unidos) resultaron seleccionados por el jurado, en el que participaron desde prestigiosas fotoperiodistas y artistas visuales de renombre internacional; así mismo, en esta oportunidad, cada una de las artistas ganadoras recibió una cámara Leica SL2-S, una Vario-Elmarit-SL 24-70 mm f/2.8 ASPH. Lentes y un premio en efectivo de $10,000 dólares. 

Dentro de la programación adicional del premio, este año incluye un festival de tres días que se llevará a cabo del 12 al 14 de abril de 2024 en Artspace PS109 en 215 E99th Street de New York, en colaboración con Women Street Photographers. 

“Para el Leica Women Foto Project de este año, animamos a las artistas a compartir historias visuales de recuperación, resiliencia o renacimiento", manifestó Karin Kaufmann, directora de arte de las galerías Leica. “A través de estos lentes, el Proyecto Leica Women Foto continúa empoderando y amplificando las voces que capturan esta diversidad de narrativas, agregando profundidad a nuestro tapiz visual colectivo y al mismo tiempo reflejando nuestro compromiso de celebrar su poder visual”, concluyó. 

Las Ganadoras 

Adenike Sogbesan es una fotógrafa nacida en Nigeria, pero radicada en el Reino Unido, más conocida como Dola Posh; ella profundiza en las complejidades de la autoidentidad y la depresión posparto, combinando perfección y vulnerabilidad a través de su lente. 

La fotógrafa realiza talleres en el sistema sanitario del Reino Unido (NHS) sobre salud mental y depresión posparto; así mismo, es profesora en la Ravensbourne University London y trabaja los temas de mujeres, fotografía y tecnología. 

Con un enfoque, Dola Posh continúa iluminando las narrativas de mujeres y madres negras, difundiendo en sus trabajos historias de maternidad que inspiran el cambio social. Su serie "OMO MI" (que significa “mi hijo”) explora ese profundo recorrido interior que le subyace a toda mujer al convertirse por primera vez en madre; ella captura una sensible imagen con la que nos define su experiencia frente a la maternidad. De esta forma, deja entrever esos rasgos de resiliencia y resistencia apelando a la memoria y su identidad. 

Por su parte, Stasia Schmidt, de Calgary, Alberta, Canadá, reconocida artista visual de la simplicidad y la forma, pero también del detalle, ese que nos expone al inesperado surrealismo que nos revela el sorprendente universo y que está ahí en nuestro entorno, no desde lo contemplativo sino a partir de esa actitud femenina que busca subvertir los cimientos mismos de la existencia humana y nos sumerge en la autoconciencia que vibra en la percepción. 

La artista es autodidacta, tiene como fuentes de sus procesos creativos la música, la danza, la ciencia ficción y ese espíritu de lo explorativo. De tal forma, que su proyecto “Ephemerality”(Efímero), es una declaración de su capacidad para confrontar esos estrechos sociales que muchas veces afloran como gritos altisonantes cuando lo femenino se atreve a emprender su propio viaje a tener mundo propio y deja de lado o pasa por encima de las consideraciones patriarcales que impone la sociedad machista.

Luvia Lazo, una fotógrafa indígena zapoteca nacida en Teotitlán del Valle, Oaxaca, México, ella no solo nos presenta, sino que nos narra su noción de identidad; los dolorosos cambios generacionales y esa relación simbiótica entre los seres humanos y los espacios llenos de la ritualidad cotidiana y cultural.

Lazo es una artista muy reconocida y referente en su país por los alcances de su obra, quien ganó el programa Jóvenes Creadores del FONCA (Fondo Nacional para la Cultura y las Artes) en México y obtuvo el prestigioso premio de Fotografía Indígena 2021; cuenta con exposiciones colectivas e individuales en Ciudad de México, Nueva York y Barcelona; el The New Yorker, Vogue EE. UU. y Vogue México han publicado sus trabajos visuales.

Su reveladora propuesta “Mujeres desde las nubes”, nos permite incursionar en el mosaico de las narrativas de las mujeres indígenas contemporáneas de diferentes edades; pero su proyecto, no solo se queda en lo declarativo, sino que es etnográfico y nos da una perspectiva más amplia y enriquecida sobre la feminidad en su conjunto.

Camille Ferrah Lenain, fotógrafa documental y retratista franco-argelina, poseedora de una destacada obra, quien fue instructora de fotografía en la Universidad de Tulane en Nueva Orleans, desafía los preconceptos sociales, explorando estereotipos, memoria colectiva e identidades plurales. 

Ferrah Lenain, también fue preseleccionada para el Premio Aperture Portafolio en 2023 y ha sido fotógrafa del The New York Times, Rolling Stone y ELLE Magazine; la artista cuenta con exposiciones en el Ogden Museum of Southern Art y el Arab World Institute. 

Su proyecto “Made of Smokeless Fire” (Hecho de fuego sin humo), arroja luz sobre la representación LGBTQIA+, al interior de la cultura musulmana en Francia, y captura la belleza y los desafíos que enfrentan, contribuyendo a una comprensión más matizada de sus experiencias como comunidad underground.

Fotografías: ©Quinto Premio Anual Leica Women Foto Project Award, 2024. 

1. 'Mother's Day Year 3' A self-portrait of Dola (age 31) and her daughter Monioluwa Sogbesan (age 3) photographed in our home in Hertfordshire, UK. A mother's embrace of her child on Mother's Day. March 19, 2023. 

2. Washing her feet' A self-portrait of Dola and her daughter Monioluwa (one year and six months) at home during bath time. This moment is her quiet time as a new mother and where the inspiration source for all the photo stories came from. February 10, 2022. 

3. 'Sleep' Dola is watching over her child Monioluwa (10 months old) at home holding a lantern. She wonders, When will I ever experience such a sleep again, free like a child? June 14, 2021. 

 4. ‘Adorn blue’ The first time Monioluwa fell ill, she would grow cold, her heart would skip a beat, and Dola’s anxiety increased. She continued to breastfeed and nurture Moni while forgetting to take care of herself and her mental health. Her soul became lost. This portrait was taken three weeks after Monioluwa recovered. May 20, 2021. 

5. Remnant. Stasia Schmidt. 

6. Floe. Stasia Schmidt. 

7. Dune Drift. Stasia Schmidt. 

8. Luvia by Fernando Velazquez. 

9. Mother and sisters. Luvia Lazo. 

10. Jewerly from Agua Fria. Luvia Lazo. 

11. Sin título. Camille Farrah Lenain. 

12. Sin título. Camille Farrah Lenain. 

13. Sin título. Camille Farrah Lenain.

CONVOCATORIA A LA I BIENAL INTERNACIONAL DE POESÍA EXPERIMENTAL DE ARGENTINA, POSVERSO

El 30 de abril cierra el plazo para creadores de todos los lenguajes interesados enviar sus propuestas a la Convocatoria de la I Bienal Internacional de Poesía Experimental de Argentina, POSVERSO, que se realizará en la ciudad de Junín, provincia de Buenos Aires, del 18 de octubre y al 20 de diciembre de 2024. 

El eje central será de este certamen gira alrededor de la “poética de la resistencia” y cuyo texto curatorial (Aquí), es propuesto por el escritor, artista visual, poeta experimental, performer y curador independiente argentino Silvio De Gracia. 

“¿Qué es lo que pueden decirnos hoy las poéticas de la resistencia? ¿Cuáles son los medios y los discursos que se despliegan para incidir sobre el mundo convulsionado que habitamos? ¿A qué aspectos de nuestra realidad se orienta esta resistencia? Para Deleuze pensar es resistir, y el pensamiento es un conjunto de fuerzas que se resiste a la muerte. En nuestro mundo contemporáneo, la muerte tiene múltiples rostros: migraciones forzadas, guerras, pobreza, hambre, cambio climático, inequidad del sistema capitalista, propagación de ideologías autoritarias. ¿Qué puede la poesía frente a todo esto?”, son las preguntas que propone el curador. 

Formulario de inscripción (Aquí) 

Mayores informes: I Bienal Internacional de Poesía Experimental de Argentina, Posverso: Web: posversobienal.com.ar. Correo electrónico:: posversobienal@gmail.com. Canal de Youtube: @PosversoBienal. Hotel DADA Base de Arte Correo y Poesía Experimental. Dir. : Chávez 69, Junín, Buenos Aires, Argentina. Teléfono: +54 92364-301516.

“APRENDER A MIRAR”, EL OFICIO DE LA ARTESANÍA

“Veo en cada objeto algo más allá que una materia que expresa una forma 

con textura y color”

Por. Víctor Hugo 

Infinidad de semillas, fibras, objetos encontrados y distintos tipos de pigmentos, se transforman en piezas artesanales con la destreza de unas manos sabedoras y bajo la escrutadora mirada de Nancy Isabel Payares Pérez, una barranqueña que a sus 70 años está empeñada en materializar lo que para ella significa identidad. 

Nancy desde muy niña deambulaba con su grupo de amigos del barrio El Parnaso entre los exuberantes bosques que rodeaban lo que apenas comenzaba a ser una ciudad devorada por el cemento y olvidó sus ecosistemas estratégicos. 

Así modeló la única visión reduccionista del desarrollo, esta clase política que traicionó el ser mismo de esta territorialidad y quienes solo se dedicaron a sepultar su riqueza fundamental: la biodiversidad, la misma que terminó siendo exterminada por cuenta de la actividad extractiva de la industria petroquímica. 

Fue durante esas inmersiones entre caminos ciegos de espesos matorrales que bordeaban los caños, ciénagas que rodean a Barrancabermeja, que tal vez comenzó a desarrollar su sensibilidad con lo matérico y empezó a tener contacto con todo tipo de semillas y fibras vegetales y a dejarse impregnar de los olores y colores de las barrancas bermejas, con las que hoy se atreve a moldear muchos después, pero con el mismo entusiasmo y asombro de una novel exploradora. 

“Veo en cada objeto algo más allá que una materia que expresa una forma con textura y color”, afirma Nancy y agrega: “Es su energía misma la que me enseña sus particularidades intrínsecas” y es esto mismo lo que hicieron infinidad de creadores en el siglo pasado y que se convirtió en una recurrente forma de expresarse de algunos artistas plásticos en esa parte de la historia que conocemos como arte moderno, quienes fueron seducidos por las formas y estructuras fractalizadas del mundo que nos gritan no solo lo que son ni lo que pueden llegar hacer sino de sus historias. 

“Cuando tenía 12 años pasé por las oficinas de Cavipetrol y me detuve a observar un grupo de señoras que se encontraban haciendo un taller de macramé; en ese momento, me pareció increíble todo lo que se podía hacer con unos simples nudos ordenados y solo con las manos”. 

Recuerda Nancy que: “Simplemente, me quede parada en la reja a ver como lo hacían las encopetadas señoras a las que no se les veía ningún interés, pero a mí me gusto. Minutos más tarde y luego de estar ahí afuera pegada a la reja, la instructora, que era una mujer joven, salió y me preguntó si quería aprender y sin pensar dos veces le conteste afirmativamente, pero que no pertenecía a Ecopetrol. Sin embargo, me dejó entrar, con una condición: no decirle nada a nadie. Así fue como aprendí el macramé”. 

También, una de las más poderosas influencias fue su padre, Julio Payares, porque de cierta forma él es responsable de ese querer hacer: “Mi padre fue contratistas de Ecopetrol, por lo que en muchas ocasiones no contaba con los recursos para comprar muchos de los juguetes que le pedíamos; a pesar de ello, el mismo los hacía, desde patinetas hasta las cosas más raras que se nos ocurría cuando éramos niños, porque tuvimos una infancia feliz, era otro el tiempo en la ciudad que era de todos”. 

Del oficio

A la artesanía Nancy llegó luego ser una consagrada trabajadora de la salud, tras haberse graduado como Higienista Oral en la Universidad Tecnológica de Bolívar en Cartagena, labor a la que le dedicó 30 años de su vida, por lo que es muy conocida en la ciudad tras su paso por el Hospital San Rafael, el Seguro Social y la Secretaría de Salud de la Alcaldía de Barrancabermeja. 

“Fue cuando se presentó una crisis en el servicio urbano de recolección domiciliaria de residuos y desechos en el 2015, cuando una tarde recorrí la ciudad y comencé a recoger infinidad de objetos y materiales que traje a mi casa y con ellos comencé a crear y hoy nueve años después tengo mi taller y me dedico de lleno a la noble labor de la artesanía”. 

En Barrancabermeja muchos de los artesanos han llegado solos al apasionante mundo de materializar lo que significa la identidad, porque eso sería el deber ser y lo se supone debería expresar cada una de las piezas artesanales. 

No obstante, muchos es estos hacedores no tienen ningún tipo de formación sobre su oficio; sin embargo, luego de hablar con Nancy y algunos otros, dentro de ellos se produce una especie de éxtasis y simbiosis con su territorio cuando planean, diseñan sus primeros y rudimentarios bocetos, realizan la búsqueda y selección de materiales y finalmente se dedican a producir cada una de las piezas con las que hoy reflexiona sobre lo que significa la identidad de una ciudad que poco ha reconocido su labor, pero que tiene que ver con lo que les dicen los procesos de hibridación cultural y esta realidad que se vive fruto de la última migración impuesta por y anclada a las expresiones fascista que se tomaron a Barrancabermeja y de lo que nadie quiere hablar, porque son ellos los que la sombra la manejan. 

En la actualidad, Nancy Isabel cuenta con su taller que a la vez funciona como local ubicado en lo que era el tradicional barrio Torcoroma en la carrera 19 No. 53-70, donde expone su producción artesanal, desde sus bellas máscaras hechas en papel maché, escenas de la cotidianidad regional en cuadros u objetos escultóricos con elementos reciclados y encontrados; vendedores de los tradicionales bollos; canastos y un mundo lleno de infinidad de piezas que ella misma produce

Finalmente, en la conmemoración del Día de la Mujer, atrévase a descubrir parte de su historia a través de la artesanía y a pasar por dónde Nancy Isabel Payares Pérez, esta bella y amorosa mujer que es en sí misma la expresión viva de lo que es la mujer barranqueña.

Fotografía: ©ArtistasZona, Barrancabermeja, marzo de 2024.

EL DÍA MUNDIAL DE LA VIDA SILVESTRE VISTO DESDE LOS ARTISTAS PLÁSTICOS DE BARRANCABERMEJA

Con motivo del Día Mundial de la Vida Silvestre se realiza la primera muestra de artistas asociados a la Mesa de Artes Plásticas de Barrancabermeja.

Por. Víctor Hugo

El pasado martes 27 de febrero se inauguró la primera muestra de artistas plásticos barranqueños de este 2024 en la sala de exposiciones de la Biblioteca Pública Alejandro Galvis de la Universidad Industrial de Santander, con una exploración sobre la vida silvestre de nuestra bioregión. 

El evento expositivo es fruto de la gestión de la representante de artes plásticas de Barrancabermeja, la maestra Marta Emilia Puerta, y tiene como propósito la dinamización de los procesos de producción, circulación del trabajo artístico y la formación de público en la ciudad, acciones centrales del plan estratégico del sector. 

La Vida Silvestre 

Este 3 de marzo se celebra el Día Mundial de la Vida Silvestre, fecha proclamada en 2013 por la Asamblea General de las Naciones Unidas, que tiene como antecedente la Convención sobre el Comercio Internacional de Especies Amenazadas de Fauna y Flora Silvestres, realizada en el 1973. 

Cabe señalar que en algunos países del mundo la efemérides se conoce como el Día Mundial de la Naturaleza y busca sensibilizar y concienciar a las sociedades contemporáneas acerca del de la importancia de la fauna y flora silvestre para nuestra supervivencia. 

En esta perspectiva, es preciso indicar que Colombia, “El País de la Belleza”, como lo ha definido el presidente Gustavo Petro, es el segundo en el mundo con mayor biodiversidad, lo que debería ser uno de los activos más relevantes de los colombianos. 

Sin embargo, aún no lo es y al parecer esta es una de las deudas medioambientales que tiene la institucionalidad, la industria y los barranqueños mismos con la ciudad, debido a que cada vez se depredan más especies y gran parte de esta responsabilidad se debe a la actividad extractiva de la industria petroquímica y la agroindustria, así como la producción de otros sectores económicos que hacen presencia en el Distrito de Barrancabermeja. 

De tal forma, que en la actualidad, persisten diferentes amenazas a la vida silvestre y son múltiples factores que ponen en riesgo la conservación de la flora y la fauna silvestre; una de ellas es la actividad humana y la crisis climática por la que atravesamos, hecho altamente peligros para el mantenimiento del frágil equilibrio de los ecosistemas, así como la degradación, fragmentación y destrucción de sus hábitats; la tala indiscriminada del bosque seco primario; la utilización de químicos y la proliferación de especies invasoras, entre otros. 

Por otro lado, en la actualidad se habla de la sexta extinción masiva de la biodiversidad a nivel mundial, conocida como “extinción masiva del Holoceno”, por lo que las Naciones Unidas calcula que un (1) millón especies están en peligro de extinción. 

A pesar de que Colombia firmó el Tratado de la Convención sobre el Comercio Internacional de Especies Amenazadas de Fauna y Flora Silvestres (CITES) donde se incluyen 35.000 especies de animales y plantas en riegos y al que se han adherido 183 países, este mercado ilegal aún extiende sus tentáculos criminales en todo el Magdalena Medio. 

La Muestra 

Son once (11) creadores los que abordaron desde distintas tendencias y técnicas la fauna y la flora de Barrancabermeja; tema absolutamente pertinente en momentos en que la vida está al borde de la extinción en el planeta por los efectos devastadores de los impactos ambientales a la que hemos sometido los ecosistemas estratégicos como consecuencia de la actividad antrópica. 

En esta oportunidad las(os) artistas Maryud Lascarro, Aura León Benavides, Fanny Tello Cuellar, Marta Emilia Puerta, Elizabeth Bernal Torres, Fabián Ernesto Peñaloza Güiza, Jefferson Vásquez, Paola Ortega Quezada, Gabriela Ortega Beltrán, Carmen Alicia Ortega y Pablo Ortega, reflejan un laborioso acto creativo que apela a la memoria y sus sensibilidades con las que han recorrido su entorno y revelan la forma de como lo habitan. 

Por eso, los productores culturales se detienen en mirada de su espectador y le plantean un diálogo con el que intenta formular sus preguntas, para rescatarnos de nuestros olvidos, dado que somos una especie más en riesgo, porque eso hemos permitido. 

Por esta razón, en las obras encontramos mundos ideales que niegan esta degrada e ignominiosa realidad que hemos construido; así mismo, las propuestas plásticas son las respuestas del compromiso de cada creador frente a la vida silvestre. Finalmente, queremos invitamos a realizar un recorrido por la muestra, no desde una actitud exclusivamente contemplativa, sino a navegar por nuestra memoria, donde hoy no solo está de moda “el Sol” sino sus artistas.

Fotografías: ©artistaszona. Barrancabermeja, febrero de 2024.

(1)Aura León Benavides. 

Sobrevivencia y fuerza (Fragmento). 

Acrílico sobre lienzo. 

60x80 cms. 

2023. 

(2) Marta Emilia Puerta 

Ensoñación de las Garzas (Fragmento). 

Acrílico sobre lona costeña 

100x150 cms. 

2023.